Nueve canciones que reflexionan sobre una sociedad saturada de información y radicalizada por el poder, una humanidad “entretenida” que navega hacia la precariedad social y emocional. Un álbum que mezcla su bagaje metalero con influencias pop, y que se erige como un reflejo honesto de los tiempos que vivimos, con un transcurrir muy ágil, agradable, nada sobrecargado pero sin escatimar en detalles.

A base de humildad y gratitud habéis cimentando vuestro estilo personal, manejando con creatividad vuestros recursos bajo una forma de interpretar a corazón descubierto. La escucha de vuestro nuevo disco “Perder La Fe” se convierte en una invitación a pausar la rutina y conectar con uno mismo, a reflexionar sobre la vida. Una experiencia profunda, más allá de la simple audición de fondo.

Canciones hechas desde la verdad, que apelan a lo más humano de nuestros días, a huir de lo artificial y de la saturación de información ¿Cómo definiríais musicalmente este nuevo disco? Hablarnos un poco del proceso de composición y grabación de los nueve cortes que componen este trabajo?

Qué bonita introducción a la entrevista, gracias. Perder la fe es un reflejo de lo que la mayoría de las personas cargan en sus espaldas, dentro de la oscuridad que vivimos, hemos querido lanzar un rayo de luz a los oyentes desde nuestro punto de vista y experiencia. Las canciones han partido de una idea muy clara y simple. Línea vocal y guitarra acústica. A partir de ahí todos los miembros hemos trabajado para la canción a portando nuestra personalidad.

A diferencia de los discos anteriores, en este hemos contado con la visión y producción externa de Sam Ferrer de WZ estudios, que durante un año nos guio haciendo grabaciones y pruebas para encontrar lo que la canción necesitaba de verdad. El resultado ha sido muy bueno, y personalmente a cada músico nos ha venido bien un guía espiritual en la grabación.

Veo que habéis encarado este disco con las mismas ilusiones que si fuera el primero, con una capacidad tremenda para cautivar, una mezcla de energía y melancolía cubierta con un manto oscuro de rock moderno con matices pop, haciendo que las individualidades se pongan al servicio del conjunto, dejando siempre unas pinceladas muy sentidas mediante el colorido de unas guitarras que pasan por diferentes aromas . ¿Resultó complicado dar uniformidad tanto musical como letrísticamente a las partes fundamentales que conforman este suculento trabajo? ¿Cuál es para vosotros el elemento más importante en una canción?

La ilusión nos mantiene vivos, despiertos y activos. Nos emocionamos como el primer día y eso es lo mejor. Annacrusa toma como dirección de la canción la parte lírica, es importantísimo que digamos cosas con fundamento en las que nosotros creemos. Luego se decoran y se acompañan con los elementos que realmente necesita. No ha sido difícil dar uniformidad porque casi todo el disco está rodeado de la idea de NO perder la fe en estos tiempos que vivimos.

Es de lo más llamativo que cada canción tiene algo a lo que prestar atención en cada uno de sus rincones. La capacidad de transmisión de la banda alcanza dimensiones superiores en “Leviatán”, “Bitácora”, “Perder La Fe” y “La Ley De La Atracción”, con una profundidad en el mensaje que perfectamente se aúna con la música. ¿Os ha costado mucho llegar a ese nivel de excelencia en sutiles planos, armonías dobladas y una mayor riqueza de matices debidamente acicalados y conjuntados?

Pues creemos que es un proceso natural que viene de nuestro bagaje, venimos de una época en la que se cuidaba mucho la personalidad del músico y se potenciaba su talento. Canciones mimadas al detalle, producciones muy personales y un gran abanico de artistas con mucho que decir. Nosotros no hacemos un estilo, hacemos canciones que emocionen al oyente.

¿Ahora cuidáis mucho más los pequeños detalles? ¿Cómo habéis volcado vuestras almas en él?

Aprendiendo en el camino, buscando nuestra verdadera identidad y haciendo las canciones primero para nosotros que aunque no lo parezca, es muy importante.

Una de las claves de esta sorprendente madurez expuesta se halla en que las bases rítmicas no caen en ningún momento en algo preconcebido, acicaladas con un toque distinto, ofreciendo diferentes alicientes mediante tesituras profundas, pero sin perder un ápice de fuerza en el sentimiento, experimentando con nuevas combinaciones de sonidos, ritmos y emociones, pero escuchándolo atentamente te das cuenta del gran trabajo que hay detrás, repleto de detalles, con un ojo en el pasado y otro en el sonido de hoy. ¿Es así? ¿Utilizasteis algún método concreto al componer? 

Si, así es, como ya hemos mencionado antes, tenemos un bagaje musical de una época con mucho talento, pero estamos aquí y ahora. Y eso no podemos pasarlo por alto. El público no es el mismo y queremos reflejar de dónde venimos pero con un pie en el mercado actual. Nuestro método de componer es básico, un buen mensaje y una base simple base musical que lo acompañe, lo demás viene solo.

Pese a que no es un disco conceptual ya que cada canción trata un asunto diferente, tanto la imagen como el contenido del disco pone en valor el elemento “Mar”, un lugar para desconectar, calmarse, ordenar las ideas y sanar, sosteniendo la vida tal como la conocemos. ¿Lo debemos de concebirlo como un elemento multifacético que abarca desde la base biológica de la vida hasta un refugio emocional y espiritual?

Por supuesto que sí, el mar abarca mucho, vida, muerte, luz, oscuridad, calma y tormenta. Todo eso sale reflejado en nuestras canciones como hilo conductor. Navegamos día tras día, a veces con rumbo y otras sin, pero no hay que perder la fe

¿El planteamiento inicial era el de intentar darle una vuelta de tuerca a vuestro sonido, con una frescura renovada y una gran pulcritud en constante crecimiento para huir de ciertos simplismos que en este estilo podían hacerse ya escuchados?

Somos muy exploradores de nuevas sensaciones y estamos en constante aprendizaje. Lo difícil de esto, es conseguirlo sin perder la esencia que realmente tiene ANNACRUSA, creemos que lo hemos conseguido. Si escuchas nuestros 3 discos ves una evolución pero no ves un cambio de personalidad, que realmente es lo bueno de un grupo.

Con cada canción siempre buscáis una manera distinta de expresar vuestras vivencias y sentimientos, adornadas de ciertas tesituras y unas atmósferas afligidas e hipnóticas. Sin duda alguna, un estilo de lo más íntimo y personal. A la hora de componer, ¿Qué pasos seguís para llegar a esa plenitud? ¿Primero la melodía y posteriormente los textos ó viceversa?

Bueno, esto casi te la hemos contestado en la segunda pregunta pero sin miedo a repetirnos, nuestro primer objetivo es hablar de cosas que hayan dejado huella en nuestras vidas, así es más fácil conectar con el oyente. Las melodías que acompañas a esas palabras son otras voces que refuerzan el mensaje.

No cabe duda que uno de los puntos fuertes de este álbum es la producción global del álbum. Cada tema evoluciona de manera totalmente inesperada, con transiciones muy bien cuidadas y sentidas melodías, sin que se eche nada de menos ni nada que exacerbe su composición, bajo la inmejorable producción de Sam Ferrer y Sevi Guilles en los WZ estudi de Castellón; y masterizado posteriormente en Ultramarinos por Víctor García. ¿Teníais claro cómo queríais que sonará el álbum antes de entrar al estudio?

No al 100%, hicimos muchas pruebas, buscamos lo que mejor encajaba y sobretodo intentar que la grabación no perdiera la verdadera esencia de cada músico. Cada uno de nosotros tenemos claro lo que nos gusta, y por suerte somos muy respetuosos unos con otros, eso ayuda a que todos nos sintamos dueños de la canción. Trabajamos para ella, y en este caso con la ayuda de Sam Ferrer que hizo desaparecer los fantasmas que a veces tenemos los músicos.

¿Qué fundamentos os habéis basado para llegar a la reflexión sobre la pérdida de fe en la humanidad? ¿Consideráis que está yendo hacia la precariedad social y emocional?

Alto y claro, la humanidad, es decir nosotros, lo tenemos difícil para esperanzarnos con algo, de cada 5 noticias que recibes cuantas son positivas, que denota la juventud, y así suma y sigue. Nosotros lo que queremos es que NO se pierda la fe. La vida tiene cosas maravillosa que enseñarnos.

“Leviatán” fue la canción elegida como carta de presentación, acompañado del correspondiente videoclip, el cual ha trasmitido en imágenes, a la perfección, el significado y mensaje que lleva implícito. Un anhelo a las viejas y buenas costumbres. ¿Tiene algún significado especial para vosotros?

Si, nos da pena ver como se pierde la herencia de las cosas buenas, la comunicación sincera y el buen hacer de las personas sin querer nada a cambio. Leviatán está entre nosotros, nos oscurece la mente, nos bloquea y nos anula como personas. Cuando despiertes igual ya es tarde, pero si aún te mantienes en pie NO pierdas le fe.

Llama la atención que las guitarras han alcanzado una gran densidad y complejidad en parte debido a la búsqueda del punto y matiz guitarrero necesario para cada interludio rítmico. Además existen otras inclinaciones musicales que han encajando igual de bien entre si. ¿Utilizasteis algún método concreto a la hora de incorporar esos nuevos matices?

Bueno, Sevi el guitarrista es bastante inquieto y muy curioso a la hora de buscar un sonido que de identidad a la canción. En este disco se han incorporado sonidos nuevos, pedales, guitarras, amplis, etc… Vamos un friki, jajaja!

¿Creéis que existen posibilidades reales de que un grupo como el vuestro trascienda al público independiente?

Tenemos claro que en el desvío, cogimos el camino más largo pero el más satisfactorio. Posibilidades claro que hay, gente valiente que apueste por ello igual algo menos. Pero es algo que tenemos claro desde el principio y no nos quita el sueño.

¿Cuál fue el tema que más disfrutasteis grabando y cuál el que os dio más quebraderos de cabeza?

Pues “Leviatán” fue como un tiro, podría ser la primera que compusimos y la que menos cambios ha sufrido, da gusto tocarla. Por otro lado tenemos “Universo” que merece una concentración mayor o “La ley de la atracción” con diferentes pasajes la que más nos puso a prueba.

Actualmente hay muchos grupos que saturan sus trabajos con exceso de producción de forma que oculta o disfraza la falta de creatividad. ¿Cuál es vuestra opinión al respecto?

Esto depende mucho de a dónde quiere llegar realmente la banda, o que quiere transmitir. Cada uno es libre de maquillar mucho o poco su trabajo. Lo que verdaderamente importa es lo que hay en el directo y quién realmente lo está interpretando.

Son tiempos difíciles para los soñadores. ¿Cuál es vuestra opinión de la escena que se ha ido desarrollando durante estos últimos años?

Nichos cómodos donde poder garantizar un público que a veces sacrifica pasarlo bien con recibir una obra de autor sin miedo al fracaso. Pero todo es cíclico, y hay público para todo en mayor o menor cantidad. No seremos lo únicos con la idea de que tarde o temprano algo explotará.

¿Qué bandas os han marcado el camino que lleváis en vuestra música? ¿Qué elementos del disco creéis que os pueden hacer destacar del resto de grupos actuales?

En el tema de los grupos no vamos a entrar porque es de locos el montón de influencias que podemos llegar a tener, pero piensa en épocas doradas de rock, alternativo, metal, progresivo o del mejor pop.

Como elemento principal tenemos la voz de Anna, su textura es especial y más cuando la rodean acordes contundentes, pasajes melancólicos y tiempo fuera del 4×4.Toda esa mezcla influye en nuestra aportación a la música.

¿Cómo se alcanza un grado de singularidad, no poniéndose límites a la hora de componer?

Es importante no tener miedo, pero si sentido común. Dicen que en la variedad está el gusto aunque siempre tenemos en cuenta que hay una delgada línea entre lo agradable y lo payaso. No todas las canciones te van a gustar pero al menos queremos que entiendas que no están hechas a la ligera.

¿Cómo valoráis el gancho que ejercen las nuevas tecnologías en el panorama musical actual?

Es muy absorbente, para nuestro gusto demasiado, afortunado todo aquel que sepa usar las herramientas de manera correcta sin perder el rumbo. Nosotros las usamos, bien o mal eso ya es otra cosa. Medicina en su justa medida

¿Qué objetivo esperáis alcanzar con este disco?

Pues para que engañarnos, todo el que se pueda. Estamos en esto para llegar lo más lejos posible dentro de nuestras posibilidades. Sin prisa pero sin pausa. Nos gusta recibir la noticia de que alguien ha sentido algo especial al escuchar nuestra música o ver nuestro directo. Sin quererlo te va enganchando y ojalá llegué a mucha gente.

¿Qué le diríais al público para que se decante por vuestro disco en particular y acuda a vuestros conciertos?

Le diríamos que si tiene la oportunidad se sumerja en nuestro mundo, seguro que encuentra algo con lo que sentirse identificado. Y sobre todo le diríamos que NO pierda la fe 😉

Gracias por una entrevista tan completa y un saludo a tos los seguidores de The Sound of the embryo.

He podido charlar con su vocalista Joseba Flores para que me desgrane que aspectos han mejorado y que cambios han realizado en la composición de este segundo disco “Reset”, un trabajo mucho más definido, con mejor sonido y con mayor madurez. La constatación de la calidad de un grupo que ha creído en sus posibilidades de mejora.

En primer lugar felicitaros por el disco, suena muy compacto, con mucha fuerza en la instrumentación y sensacional fuerza expresiva en la voces. Supongo que el planteamiento ha sido algo distinto con respecto al anterior trabajo “Egia?” (Año 2010), la búsqueda de un equilibrio sonoro, pulir y enriquecer determinados aspectos del sonido para ganar en fuerza mediante brillantes cambios de intensidad rítmica y sensacionales interludios guitarreros. ¿Cuándo comenzó a fraguarse este segundo trabajo de larga duración? ¿En qué aspectos creéis que habéis madurado más?

Totalmente distinto, hemos planteado el disco con intención más global, no hemos metido canciones sin filtrarlas primero. Hay una consonancia musical mayor y la temática está más cuidada. Quizá son aspectos que dan el tiempo y la experiencia pero creemos que ha salido un disco, más redondo….

El disco comenzó a tomar forma a finales del 2024, tras el paso por el Koba Sessions, y más adelante el Koba Live. Estas dos participaciones nos dieron el impulso que necesitábamos para ponerlos las pilas y dar un arreón a los temas, plantearnos las cosas con la intención firme de crear “Reset”. Respecto al enfoque más maduro,  si que vemos que hay una mayor atención a aspectos que quizá se nos pasaron en la anterior producción. Composiciones más dinámicas, más atención a las letras y melodías, …son principalmente las diferencias. Aparte, que hemos contado con la incomparable ayuda de Pedro J. Monge a los mandos del proyecto, y ponerte en manos de un profesional como el, pues ayuda muchísimo y marca la diferencia.

Sin duda alguna, uno de los puntos fuertes de este trabajo es la producción global del álbum junto a un esfuerzo considerable en el apartado compositivo ¿Cuánto tiempo os ha llevado el elaborar los temas? ¿Ha sido más unitario y complejo el proceso de composición?

Gracias por el comentario!! La verdad es que la composición en general ha sido larga, no costosa pero larga. Hay temas que llevan mucho tiempo en el local, bajo continuos cambios tanto instrumentales como vocales. Las letras también han ido variando para que la ejecución fuera más fluida. Como muestra, los temas “Reset” y “Oraindik Ez”, son los últimos en incorporarse al disco, pero son los más viejos.

Las letras también se han reescrito de manera que la temática general del disco fuera más homogénea y uniforme. Ten en cuenta que desde 2010 que salió el primer álbum “Egia”, han dado mil vueltas en el local. El último arreón se lo dimos a finales de 2024, dando por finalizados todos los temas que compondrían el disco.

Hay que destacar la ayuda de Pedro J. Monge, que ha sabido exprimir los puntos fuertes de las canciones, dándoles su punto.

Supongo que cuando una banda quiere crecer necesita nutrirse también de otras cosas. ¿Qué particularidades tiene este disco en lo musical? ¿Consideráis que hay estructuras y líneas de guitarra más complejas?

Podemos decir que el disco tiene en general algo más de madurez musical comparándolo con el anterior, en todos los aspectos, riffs, melodías, letras… Todo ha evolucionado a más actual y fresco. Las escuchas que hicimos con las demos antes de masterizar, hacían de “Reset” un Sugoi 2.0.

¿Teníais las ideas claras de antemano en cuanto al sonido buscado o las composiciones han sufrido cambios respecto a cómo eran antes de grabar?

En general las composiciones sufrieron cambios mucho antes de ser grabadas, las maceramos a fuego lento lento, y después de (en algún caso) restructuración completa las llevamos a estudio. En el tema de sonido nos dejamos asesorar por Pedro J. Monge que en Chromaticity Sudios les sacó brillo. Es una máquina…

Pese a que continuáis utilizando los mismos ingredientes, bases y estructuras de heavy metal clásico, se percibe un ligero cambio en vuestra música, tratando de alcanzar un sonido más sólido y orgánico a través de desarrollos extensos. ¿Qué retos o estímulos teníais para este disco? ¿Cuál es para vosotros el elemento más importante en una canción? 

La verdad es que sin complicarnos demasiado, nos complicamos muchísimo. Los ingredientes son los mismos pero la receta ha cambiado. No queremos meternos en solos interminables ni composiciones ultra extensas ni complicadas, no es lo que buscamos. Pretendemos ser más directos en ejecución y llegada. En cuanto a lo más importante de una canción, creemos que es poder interpretar y defenderla en directo, dando la misma sensación que al escucharla en casa. El elemento más importante es el equilibrio entre partes instrumentales, vocales y estructurales para que el tema tenga sentido.

¿Qué pasos seguís siempre a la hora de componer? ¿Partís siempre de unas bases rítmicas consensuadas y luego posteriormente cada cual va aportando detalles, ciertos arreglos y matices según su propia visión y experiencia? 

Muy buena pregunta, porque a esto no te ayuda nadie…. Casi siempre partimos de uno o varios riffs, a los que les damos forma y complejidad. Los acompañamos de un “guatxumeri” que es la letra al principio para crear una melodía.

Luego todo esto va variando hasta que la batería el bajo y la guitarra se sienten naturales y paralelamente vamos escribiendo la letra, que tiene que encajar en espacio, melodía, métrica…. Siempre le damos un montón de vueltas y cada cual aporta lo que puede para que el trabajo de los demás sea más fácil. La verdad es que aunque pecamos de nuestros vicios particulares, siempre está el resto para hacerte salir de esos encasillamientos.

Con cada canción siempre buscáis una manera distinta de expresar vuestras vivencias y sentimientos, adornadas de ciertas tesituras, distintos grados o niveles de intensidad. ¿Quien es el encargado de hacer las letras de las canciones? ¿Cuáles han sido vuestras fuentes de inspiración en el tema letrístico? 

El encargado de escribir suele ser Joseba. De él salen las ideas más o menos acertadas que acaban en las canciones. Al principio nos esforzamos a componer letras en inglés dado que el idioma da más juego en lo que a métrica se refiere. Muchísimas de las palabras que puedes llegar a usar en una letra son monosílabos. Y eso da pie a poder melodizar de diferente manera. Pero con el tiempo todo cambio y pasamos a escribir únicamente en euskera, parte de la identidad del grupo y algo más natural.

Los temas son de actualidad, crítica social, autocrítica y vivencias personales. Pero están escritas de tal manera que las letras más personales se pueden adoptar a la situación de uno mismo. Por ejemplo “Aurrerpenaren Izenean” no da pie a interpretación, es una crítica pura y dura al progreso y al tren de alta velocidad. En cambio “Egun bat Gehiago” es una letra dedicada a las personas que no están entre nosotros, por el motivo que fuera, y que cada uno adapta y adopta a su manera. En general el disco entero trata sobre la estupidez humana que en diferentes situaciones no hacen más que pedir a gritos un “Reset”. Dependencia tecnológica para la comunicación en “Galdurik Nago”, falta de personalidad en “Gaueko Ahotsak” son ejemplos de esa crítica a la estupidez humana general.

El trabajo de producción creo que es mejor que habéis hecho hasta la fecha, gracias a la impecable labor de Pedro J. Monge en Chromaticity Studios (Asua, Bizkaia). Las guitarras suenan mucho más precisas y los contrastes potencian aún más la grandiosidad del sonido ¿Cómo se han ido desarrollando esos aspectos en el estudio de grabación? 

La verdad es que ponernos en manos de Pedro ha sido una de las mejores decisiones que hemos tomado. Es una máquina, él es la persona más crítica y constructiva que podíamos haber tenido al mando. Nos hemos puesto a sus órdenes y hemos tomado sus consejos como guía para poder llegar al resultado final. Matices que para una persona son inapreciables, son básicos para que algo suene como debe, y transmita lo que tiene que transmitir. Poder contar con sus consejos ha sido un auténtico lujo y estamos más que agradecidos por el resultado final, además de su colaboración en “Itzalpean”.

Las canciones de este nuevo disco rebosan espíritu y aúnan en un magnífico compendio melodía, fuerza e intensidad. Estribillos muy marcados, embestidas guitarreras de fogosa redondez y unas letras muy abiertas, muy propicias para que cada cual las adapte a su propia vida. ¿Hay alguna banda clave que sigue siendo vuestra principal influencia? ¿Hacia dónde progresan vuestros gustos e inquietudes musicales? 

Siempre hay influencias, siempre hay comparaciones. La verdad es que tenemos bandas muy presentes que cada uno de nosotros lleva a su propio terreno en lo que a interpretación se refiere. Si bien hay riffs que aprietan de una manera o bases rítmicas que acompañan, creo que cada uno le damos un toque personal para que se quede en un sonido Sugoi. Nos han dicho que suena a Su Ta Gar que parece tener un toque Asgarth, que a veces parece Latzen… Pero sabemos que es por qué el idioma que usamos es el euskera. Es por eso que sin querer la gente hace esas relaciones. Yo os invitaría a qué escuchéis atentamente los coros, la musicalidad que tienen se puede decir que están inspiradas en Sonata Arctica. Influencias hay, todo influye, así es, pero siempre en busca del sonido Sugoi.

Sois una banda que cuidáis mucho tanto la parte estrictamente musical como la lírica y también el diseño gráfico de vuestros trabajos. Está vez habéis optado por un arte detallista en cada trazo y que atrape visualmente en la portada. Contarnos un poco quien se ha encargado de diseñarla y de qué manera están los conceptos implícitos en la misma. 

El diseño de la portada ha sido una de las cosas más difíciles del disco. Tenía que ser claro, definido, que representará el tema global de la mayoría de las canciones. La verdad es que empezamos a lanzar ideas y veíamos que no encajaban demasiado, no había unidad entre la estética y la temática. Después de unos 80 o 100 diseños y tras varias intentonas, salió una idea que poco a poco fuimos afinando.

La portada sugiere que una mano controla con hilos a toda la población mundial. Es algo bastante evidente, pero detrás está la imagen de Inguma, el ser mitológico que controla nuestros sueños desde el otro lado, que se alimenta de nosotros. Ahí está un poco la fusión entre mitología y realidad, que hace que no dejemos de parecer unas marionetas zombies en todo este tema, que es la realidad que nos toca. Quizá algo rebuscado pero era la idea de la portada. A todo esto hay que sumar color de fondo, elementos, detalles, posición de los elementos,… Y en todo esto nos ayudó Javi Izkar con su criterio y dedicación, otro crack. Y de todo este trabajo y enredo, ideas etc. surgió el producto final, que contiene en el CD, detrás del propio disco, frases de las letras, que leídas dan el sentido al tema general del disco.

El primer single de este disco ha sido “Inguma”, un tema con unos estribillos intensos y y una base musical que busca un sonido unificado en fuerza y melodía. ¿Por algún motivo especial? 

El motivo de que está canción abra el disco es mayormente la referencia a que esa mano de Inguma controle nuestros sueños. Toda la humanidad controlada en su totalidad por esos finos hilos que un ser “superior” teje sobre nosotros. Algo conspiranoico a la vez que mitológico. Ya en el primer disco incluimos la canción “Sugoi” que habla de la historia de amor entre Mari y Sugoi, así que decidimos meter este tema con base mitológica para seguir con referencias a nuestra cultura.

Hay grupos que van perdiendo su credibilidad a medida que pasan los años, pero en vuestro caso parece todo lo contrario. ¿Cuál es la fórmula para seguir creciendo? ¿Os sentís parte de una escena o navegáis al margen de todo? 

Una pregunta muy complicada. Pensamos que la las bandas que crecen lo hacen por algo. Hay crecimiento cuando todos los componentes remas al mismo ritmo y con el mismo rumbo. Las bandas que quedan atrás son las que por culpa de los egos avanzan a ritmos diferentes. Llevamos muchísimos años como banda, y podemos intuir que el secreto es ir todos a la vez. Somos personas, amigos fuera del local de ensayo y nos conocemos bien fuera de el. Si bien hemos tenido poca actividad a lo largo de todos estos años, podemos decir que estamos muy activos a raíz de la publicación de “Reset”. Ahora mismo queremos hacer llegar este disco todo lo lejos que podamos, tenemos ganas, muchas y nos sentimos más activos que nunca.

Actualmente hay muchos grupos que saturan sus trabajos con exceso de producción de forma que oculta o disfraza la falta de creatividad. ¿Cuál es vuestra opinión al respecto? 

La verdad es que cada uno defiende lo suyo a su manera. Quizá, para algunos, pecamos de simplicidad, pero pensamos que lo importante es defender el trabajo hecho en el estudio en los directos. Muchas veces, más no es mejor, solo es más.

Llama mucho la atención la colaboraciones tanto de Carlos Escudero (vocalista de Vhäldemar) en el tema “Gaueko Ahotsak” como Aitor Gorosabel (vocalista de Su Ta Gar) en “Itzalpean”. Supongo que las elecciones han sido debidas principalmente a enriquecer los temas con otros matices vocales y otorgar un plus de atractivo para captar la atención de nuevos seguidores de manera efectiva. ¿Cómo surgieron y si se barajaron otros vocalistas aparte de ellos? 

Pues la verdad es que la colaboración de algún invitado surgió de la manera más infantil, de la manera más inocente. Hubo un tema que al ensayarlo, sugería que lo cantará Aitor Gorosabel. Nos la imaginábamos interpretada por el y pensábamos que sonaba muy Su Ta Gar, salvando las distancias. El tema en cuestión no es otro que “Egun bat Gehiago”, no la que finalmente interpreta Aitor. Nos imaginábamos la balada cantada por el y la verdad es que nos planteamos pedírselo. Nos costó atrevernos pedir que colaborará con nostros, por si no le interesaba el proyecto. Desde el principio nos dijo que se apuntaba, incluso sin oír ni leer la canción, la verdad es que es una persona de 10. Tras mucho tiempo desde la propuesta, finalmente le pasamos la demo de “Itzalpean” y no tuvo ningún problema en aceptar y participar. Fue todo un lujo.

Por otra parte, tener a Carlos Escudero (Vhäldemar) cantando para nosotros, resultó algo más sencillo. Con la canción “Gaueko Ahotsak” ya acabada, nos sugeria meterle un registro más agresivo y rasgado en algunas partes. A Joseba se le metió en la cabeza comentárselo a Carlos y Jandro, baterista de Vhäldemar y actualmente parte de Sugoi, hizo el resto. La verdad es que es una auténtica gozada poder contar con el cantando en Euskera, todo un hito.

El día de la grabación compartimos estudio Aitor, Carlos, Pedro y nosotros, y fue increíble…. Aitor, pionero del Heavy Metal en euskera, los dos componentes de Vhäldemar, referencia del Heavy Metal nacional e internacional y Sugoi. Todos metidos en el estudio… Un sueño, un placer y una gozada.

“Gaueko Ahotsak” es una composición de gran dinamismo vocal, habilidad técnica a cargo de una base rítmica veloz y con mucha pegada, y el sensacional aporte vocal de Carlos Escudero. ¿Es la canción que mejor define la madurez expuesta en este segundo álbum? 

Quizá esté entre las canciones con más pegada. Suena como un huracán, como un trueno…. Es brutal. Y quizá es la canción con mejor acogida junto con “Inguma” e “Itzalpean” que han sido los tres singles que hemos presentado antes que el trabajo completo. Pero también podemos meter en el mismo carro “Aurrerpenaren Izenean” que tiene detrás mucho trabajo. No podríamos decantarnos por una que represente la madurez que comentas, pero si que en lineas generales se aprecia un cambio.

¿Cómo valoráis el gancho que ejercen las nuevas tecnologías en el panorama musical actual? 

Las nuevas tecnologías han vendido para quedarse, de una manera u otra. Si lo dices por auto-tune, seguro que acaba en el olvido, que ha sido una moda, estamos seguros,…. Ojala…..

Lo de la IA, será otra cosa. Muy probablemente acabemos escuchando canciones interpretadas por humanos pero compuestas y escritas por máquinas, parece inevitable. Puede ser una buena herramienta si se usa con control y se limita su utilización. A saber lo que ocurre… De momento nosotros seguimos en el lado analógico y no nos digitalizamos a ese nivel.

¿Qué objetivo esperáis alcanzar con este disco? ¿Qué le pide Sugoi al momento presente? 

Pues, la verdad es que estamos más que satisfechos con el trabajo realizado, y gracias a Javi Izkar (Izkar Prod) estamos llegando bastante lejos en lo referente a las fronteras físicas. Nos han pedido CD desde Francia, USA….

No tenemos un objetivo fijado más allá de tocar y dar a conocer nuestro ‘Reset”. Tocar y defender nuestro trabajo.

Son tiempos difíciles para los soñadores. ¿Qué opinión os merece la escena que se está desarrollando en estos últimos años? 

La escena actual está llena de grupos muy muy competentes con ideas y con muy buena ejecución. Pero hay que decir que a día de hoy hay más grupos de los que podamos digerir. Mucha diversidad y muchísimos grupos intentando hacerlo mejor que el resto. Pero quizá está demasiado llena la pecera. Es difícil diferenciarse del resto y hacerlo de manera contundente sin parecer una copia. Hay poco espacio para todos y demasiada competencia así que sí, son tiempos un poco difíciles. La tecnología ha ayudado a poner en manos de casi cualquiera la posibilidad de crear, grabar, editar, producir, y es por eso que haya tanta variedad.

¿Creéis que todavía a día de hoy sigue siendo necesario reivindicar el heavy metal euskaldún? 

Por supuesto que sí! Con ese motivo dimos un giro de 180° en la creación de las letras y nos dedicamos a ello en Euskera al 100%. Hay mucho que decir sobre nuestra tierra, en nuestro idioma, y hay que llevarlo a cualquier parte del mundo, porque es un idioma vivo y perfectamente válido para hacerlo. No escuchamos canciones en alemán? Y no hace falta entenderlo para disfrutar de un temazo, mirad a Rammstein. El Euskera es la seña de identidad de un País, Euskal Herria, que tiene el orgullo de tener viva la lengua más antigua de Europa. Podemos llegar tan lejos como el inglés, con la etiqueta, con el label de la Ikurriña.

Además, estamos viendo como bandas de Euskal Herria están reventando las salas y festivales del estado. SU TA GAR en Catalunya, Latzen en Madrid,…. Hemos venido para quedarnos y resurgir el sonido del Metal en euskera.

Egurre ta Sue, Beti!!!

La banda de Amurrio (Araba) NØT ha tomado como referencia sus buenas enseñanzas a la hora de garantizar la atemporalidad de la buena música, un universo armonioso, dinámico y cargado de sentimiento, que fluye bajo la mayor naturalidad de unos músicos muy inspirados. Una música cargada de contrates, muy acorde con su personalidad y con su estilo, perfectamente encaminada en la dirección pretendida.

Antes de entrar a profundizar en vuestro primer reciente lanzamiento “Ikusi”, me gustaría saber cuáles fueron las motivaciones a la hora de decidirse en crear este proyecto musical y cómo surgió el nombre de la banda “NØT”.

A decir verdad, todo surgió de un grupo de Telegram creado por Urru (bajista) en 2021. Digamos que empezamos a quedar en Burubio Kultur Elkartea y fuimos dando pasos, poco a poco. Los tres teníamos ganas de hacer algo, y la opción parecía inmejorable. El nombre del grupo ha sufrido “cambios”, por decirlo de alguna manera… En un principio el nombre que teníamos en mente era “RØT”, en parte por la dualidad de la palabra significando “raíz” o “podredumbre” en diferentes idiomas. Pero tras investigar un poco vimos que no fuimos muy originales… Nos gustaba el hecho de que fueran tres letras y el concepto de la Ø, así que nos quedamos con NØT.

El año pasado publicasteis vuestro primer EP “Ikusi” como power trío, con unas influencias principales muy claras, textos cargados de significado y unas melodías creadas para cautivar. ¿Cómo resumiríais el camino que habéis recorrido hasta llegar a este primer trabajo de corta duración? ¿Ha resultado duro?  

Ha sido un camino largo, entretenido y apasionante, pero intenso. Comenzamos a crear riffs y melodías al de poco de empezar a juntarnos, pero nos costó el hecho de ponernos a grabar. 4 años después, creemos que nos dimos cuenta de que queríamos sacar algo, aunque fuera por tener un recuerdo físico. Y de la mano vino la opción de dar varios conciertos, lo que nos hacía mucha ilusión. En parte, este primer EP es la primera muestra de lo que hemos estado creando y disfrutando durante estos años, esperamos no tardar tanto en tener un siguiente trabajo, ya que tenemos más temas preparados y listos para poner un lacito.

¿Habéis tenido una actitud abierta a la hora de probar diferentes tonalidades? ¿Qué motivaciones musicales esconde este primer EP “Ikusi”?

Más o menos teníamos claro que referencias queríamos seguir en este proyecto, aunque cada uno vengamos de un entorno musical un tanto diferente. Aparte, queríamos que fuera algo que a la hora de trasladar al directo no sufriera por falta de profundidad, teniendo en cuenta que somos únicamente 3 componentes en el grupo. El objetivo es crear una amplitud suficiente como para generar esa mueca con la cara de “¡esto nos gusta!”.

Aunque la base sea el rock, no tenemos problema en dejarnos caer hacía melodías más poperas o arreglos más metaleros, dependiendo de lo que nos surja a la hora de componer.

¿Cuál ha sido la razón de decantarse por publicar un EP en vez de un primer trabajo de larga duración?

Aunque tenemos más material creado (incluso grabado) que hemos estado tocando en los directos, nos parecía que la opción correcta de cara a una primera presentación al público el crear EP corto, directo y con la amplitud suficiente como para exponer que podemos tocar diferentes palos estilísticamente hablando. En cierta manera se nos queda un pelín corto quizás, por las ganas que tenemos de seguir creando y publicando.

Supongo que habéis partido de unas bases musicales consensuadas y que posteriormente cada cual ha ido aportando cosas en cuanto arreglos y matices. ¿Qué pautas seguís a la hora de componer? ¿Tenéis cada uno asignado vuestras tareas en lo referente tanto a las letras como las bases musicales?

Hemos seguido diferentes caminos. Desde cosas que hemos tocado a modo jam session en ensayos y han ido evolucionando y cogiendo forma, hasta ideas que teníamos grabadas previamente cada uno por nuestra cuenta. Cada uno se ocupa principalmente de su instrumento, aunque siempre hay cabida para “debate” por algún apartado.

Las letras suelen tener una temática que valoramos los 3 componentes, aunque se escriban también teniendo en cuenta las posibles melodías de voz que pueda haber en la canción.

En un principio, nos centramos en la parte musical de las canciones, haciendo que tuvieran un sentido sin entrar en el mensaje que queríamos mandar. Una vez vimos que la forma era correcta, comenzamos a pensar en letras y melodías que nos ayudaran a dar el cierre a las canciones.

El tema que da título al EP habla de las pocas oportunidades que tenemos de hablar, abrazar y reír con las personas que amamos por razones que escapan a nuestro control. ¿Estimáis que el tiempo es lo más valioso que tenemos, y dedicarlo a las personas que queremos con palabras y con acciones es una buena manera de demostrarles que les queremos?

El tiempo es un recurso que no se puede devolver, no se puede recuperar en el sentido estricto de la palabra. A veces puede que no se le dé la importancia que merece, haciendo que la nostalgia coja fuerza con el tiempo. Por eso, el hecho de que se nos “robe” tiempo que queremos pasar con nuestros seres queridos es doloroso, ya que escapa a nuestro control. Aprovechar los momentos que tenemos es la clave para que esa nostalgia la veamos como algo positivo, y no como algo negativo. Puede que nos estemos haciendo mayores…

Otra de las cosas que más me ha impresionado de este trabajo es la heterogeneidad de los temas y la excelente estructuración de los mismos, constatando una riqueza en muchos arreglos, plena convicción en estructuras rítmicas y una madurez prematura. ¿Hacia dónde veis al grupo evolucionando? ¿Qué bandas os están marcado el camino a seguir en lo musical? 

Todavía tenemos mucho camino por recorrer, aunque el trabajo de estos años ha sido intenso para llegar a este punto. Le hemos dado muchas vueltas a la estructuración de las canciones. El tema de los arreglos sí que surgió a la hora de grabar, ya que aunque lleváramos cosas preparadas, una vez que lo escuchas con cierta “grandeza” se van viendo carencias y huecos a rellenar. Claro está que los tres somos seguidores de Berri Txarrak, eso no se puede negar, y han sido una figura que hemos seguido, aunque tampoco queríamos ser un calco obvio (ojalá pudiéramos llegar a ese nivel). Aún así, también tenemos otras bandas de referencia como Ezpalak, Kuraia, Anari, Cobra, Izaki Gardenak, Governors, Queens of the Stone Age… Es decir, somos bastante abiertos de mente a la hora de escuchar música, lo que hace bebamos de muchas fuentes.

Parece que escribís las letras desde un punto de vista personal. ¿Qué tipo de cosas son las que os motivan a escribir una canción sobre ello?

Escribimos sobre temas que nos parecen cercanos, o que al menos nos hacen pensar. Por poner un par de ejemplos, la canción “Putreak” habla sobre la situación que la comarca de Aiaraldea está sufriendo los últimos años, con tantos EREs y cierres de empresas, y la canción “Inperfektua” surge de una carta escrita a un periódico que dice “Mi hija quiere ser segundo violín, no primero ni solista”, a modo de crítica a la sociedad que sólo busca la excelencia.

Buscamos, más allá de la crítica, la reflexión sobre estos temas que nos preocupan y nos afectan dentro de esta sociedad capitalista y superficial.

¿Qué es para vosotros la experimentación, un fin en sí mismo o un medio para obtener algo diferente? 

Una inquietud, una manera de ver de qué podemos ser capaces. Puede que nazca de querer buscar algo nuevo para nosotros, pero no lo vemos como una directriz a seguir. Aunque estemos cómodos en nuestro hábitat musical, el hecho de experimentar hace que haya más riqueza en las composiciones y nos haga dar la vuelta a un concepto y poder verlo desde otra perspectiva.

Habéis cuidado mucho tanto las formas como el contenido musical del mismo. La portada ha sido diseñada Gaizka Muñoz Etxebarria (Lubaki Grafika Faktøry), capturando la esencia de lo plasmado  ¿De qué manera están los conceptos implícitos en ella?

Nos hemos rodeado de dos buens amigos, como son Gaizka Muñoz y Endika Díaz García, autor de las fotos que acompañan este primer EP. Buscabamos algo minimalista, con la información necesaria para dar a conocer el proyecto, ya que simplemente íbamos a hacer un sobre para el CD, sin libreto. Nos parecía coherente con el estilo del grupo. Siempre tuvimos en mente el hacer vinilos también, así que al menos el CD tiene ese formato, que queda espectacular. La fotografía, siendo a priori simple, tiene muchísimos matices y muestra parte de nuestra idea sobre esta sociedad. Hace que la portada sea brutal.

¿Cómo valoráis el gancho que ejercen las redes sociales en el panorama musical actual?

Hoy en día parece que si no tienes presencia en redes sociales no existes… El consumo se ha vuelto inmediato y la atención escasa. Es evidente que son una herramienta muy potente para conocer nuevos proyectos, pero puede ser un arma de doble filo.

El hecho de que el gran público no escuche discos al completo, hace que el formato breve (ya sea EP, Single, etc.) sea el gran dominador del panorama. Además de eso, muchas veces necesita de un apoyo audiovisual a modo de videoclip para enganchar a esa audiencia desde redes sociales. Poca gente es la que hoy en día consume música sentada tranquilamente en su sofá. Igual que hemos dicho antes, puede que nos estemos haciendo mayores…

¿Cuál fue el tema que más disfrutasteis grabando y el que os dio más quebraderos de cabeza? 

A decir verdad, disfrutamos los 4 temas por igual. Los teníamos bastante machacados y fueron bastante rodados. Eso sí, hubo algunos arreglos que surgieron en la propia grabación, y ahí sí que fue un tanto interesante, porque sentíamos que faltaba ese “txispun” en la canción, hasta que dimos con la tecla.

No es por hacer spoiler, pero la canción que más sufrimos fue una quinta que grabamos y al final dejamos fuera. Curiosamente, era la que iba a dar nombre al primer trabajo, pero la hemos dejado para un segundo volumen.

¿Creéis que existen posibilidades reales de que un grupo como el vuestro trascienda al público independiente?

Siendo sinceros, es difícil. Siempre existe la posibilidad, pero muy lejana. No es algo que nos quite el sueño. Disfrutamos estando juntos en el local, creando y gozamos de la música, ya que para nosotros es una parte esencial de nuestras vidas. Todo lo que venga de ahí, bienvenido será, pero tampoco queremos correr y perder nuestra esencia por el mero hecho de que la gente conozca nuestro proyecto.

¿Qué consejo le daríais a todos esos chavales que sueñan con ser músicos? 

Que hoy mismo queden para ensayar. Sin ninguna pretensión, sólo tocar y disfrutar de la música. Si algo tiene que llegar, llegará. Es lo que todos hemos hecho de alguna forma u otra. Recordamos con nostalgia aquellas tardes de adolescencia cuando los mayores nos dejaban una hora en su local con sus amplis y batería para empezar a hacer algo que nos hacía ilusión. No importa que aún no haya callos en las yemas de los dedos, ya saldrán. O que las baquetas se traben en el txaston, ya fluirá. Esas pequeñas cosas son las que años después recuerdas y te hacen seguir con la ganas de siempre.

¿Cómo está siendo la respuesta de la gente en vuestros conciertos?

Por lo general, a la gente le están gustando. Nos han dicho que el sonido es muy bueno y que, al menos al parecer, nos lo pasamos bien encima del escenario. Ese ha sido siempre el objetivo, así que contentos.

En este apartado, hemos tenido la inestimable ayuda de Asier Ibarluzea, técnico que nos ha acompañado y ayudado tanto en directo como en la grabación. Si conseguimos sonar cómo nos dicen, es en gran parte merecimiento suyo.

Estamos en esa fase de intentar abrir algo las fronteras y salir un poco de nuestra zona para buscar conciertos en el resto de Euskal Herria, aunque sabemos que es difícil, pero seguiremos haciendo ruido. El ir más lejos, ya si eso…

¿Qué propondríais vosotros para impulsar la escena emergente y se diera en un futuro un relevo generacional óptimo?

Sobre todo, opciones. Parece que la única escena posible para grupos que están empezando son los gaztetxes o fiestas de barrio, mientras que en eventos más grandes la lista de grupos se reduce mucho, incluso se repite de fecha en fecha. No es cuestión de cambiar el paradigma por completo, pero dar oportunidades, como por ejemplo telonear otra banda, es una buena opción.

Muchos bares han dejado de programar conciertos de grupos emergentes debido escasa repercusión que estos tienen al parecer. Desde aquí, animamos a todo el mundo a asistir a esos conciertos pequeños, íntimos y que hacen que conocer música valga la pena.

¿Consideráis que hay muchas trabas para que una banda underground pueda llegar a actuar en un festival de renombre?

Es difícil, pero no imposible. Suponemos que alguien tiene que dar el paso y ofrecer esa oportunidad, pero un festival no deja de ser un negocio. Si tienen un gasto muy alto, van a querer recuperar la inversión, por lo que no se la van a “jugar” y van ir con los grupos de moda. Estaría bien que en los festivales hubiera cabida para bandas pequeñas, seamos nosotros o quien fuera, pero que sirvan para que la gente conozca algo nuevo. Parece que lo único que queremos escuchar es lo que ya hemos escuchado previamente.

Últimamente, parece que también está de moda asistir a eventos masivos por el mero hecho de ser masivos, simplemente por decir “yo he estado ahí”. No parece una forma muy sana de disfrutar de la música…

¿Qué planes tenéis para el futuro más inmediato? 

Seguir tocando, seguir creando y seguir con nuestro camino. Esperamos grabar lo siguiente en breve. Tenemos unos pocos conciertos a la vista, sobre todo ya de cara a verano. Alguna novedad siempre queda, pero igual todavía es pronto para comentarlo.

Berri Txarrak dejó un vacío enorme en el rock euskaldun. ¿Creéis que todavía a día de hoy sigue siendo necesario reivindicarlo como tal? 

En cuanto a Berri Txarrak, ha sido probablemente nuestro grupo de cabecera desde los inicios, y está claro que el vacío que han dejado es muy grande. El rock euskaldun sigue estando ahí, aunque quizás no tiene la repercusión que tenía hace unos años. Sigue habiendo bandas muy interesantes y aunque la escena ha podido bajar un poco, en cuanto a escenarios y opciones para tocar, sigue más vivo que nunca. Seguiremos metiendo ruido, quejándonos de lo que nos parece injusto y buscando ese primer riff del que surge una nueva canción. Así entendemos que lo hacemos todos.

Me he puesto en contacto con ellos para conocer de primera mano todo lo concerniente sobre el proceso de composición y profundizar en esos aspectos que les han proporcionado ese gran paso adelante en calidad y creatividad.

Supongo que el proceso de composición y grabación de vuestro nuevo EP “My Inner Ghosts”, ha sido más complejo y largo, una mayor inspiración creativa y atrevimiento en ir un paso más allá en multiplicidad de texturas, destellos técnicos y la sabia combinación de un porcentaje preciso de potencia bajo el manto de un sonido más equilibrado, contemporáneo y de alta calidad. ¿Qué retos teníais marcado de antemano y hasta qué punto habéis enfocado esta vez el concepto de la producción?

Nos habíamos marcado dos retos con respecto a la mejora de nuestro primer álbum. Por un lado, hacer composiciones más ricas y elaboradas en cuanto a melodías, solos y bases rítmicas. Teníamos muchos riffs desde hacía tiempo, pero necesitábamos darles mayor profundidad y base para que sonara todo compacto y hubiera una variedad de frecuencias para poder expresar los sentimientos de la manera adecuada. Por ejemplo, teníamos riffs de trémolo picking en la guitarra que necesitaban de una buena base rítmica y buenas armonías de guitarra (cosa que en el primer álbum no hicimos, ya que solo grabamos una guitarra. Cosas de crear canciones por primera vez y que vas aprendiendo a mejorar jeje).

El segundo objetivo era la producción. Sabíamos lo que ello implicaba (sobre todo la parte económica), pero es un regalo que es para nosotros y del que queríamos estar orgullosos por lo que decidimos gastar un dinero considerable (con respecto al anterior álbum) y tener un disco con una buena producción. Además, conocíamos el trabajo de producción de Álex de Benito y pensamos que era la mejor opción. Y así ha sido y estamos muy contentos con el resultado. Tanto que nuestro siguiente álbum ya le hemos comentado que seguimos queriendo trabajar con él y seguir mejorando aspectos como tema voces.

¿Cuáles han sido esas nuevas influencias que os ha ayudado alcanzar tal elevado grado de madurez y una gran envergadura metalera? 

La parte musical ha sido una influencia que siempre ha estado ahí (desde Dissection, Rotting Christ, Emperor, Insomnium, In Flames, Dark Tranquility… hasta Metallica y Pantera). Sin embargo, la clave de este álbum ha sido el momento personal del grupo, sobre todo de Jon que ha atravesado momentos bastante complejos de salud mental y los ha expresado mediante la guitarra. De ahí esa dualidad entre agresividad (expresando dolor y rabia) y melodía (para expresar su llanto de ayuda y fuerza de voluntad y superación).

¿Consideráis que hay estructuras y líneas de guitarra mucho más complejas con respecto a vuestro primer trabajo “The Beginning of Agony”? 

Desde luego que las hay. Queríamos que fueran canciones mucho más ricas en matices, armonías, melodías y parte rítmica. Como Jon compone las canciones y es el guitarrista, él usa este instrumento para expresar todos sus sentimientos. Por ello hay tantos detalles, armonías y melodías a lo largo del álbum junto a una base rítmica potente. 

En nuestro primer trabajo pecamos un poco de ser nuestra primera grabación y la primera vez que creábamos canciones, por lo que solo había una pista de guitarra creada y faltaban muchas cosas. Aprendimos mucho a partir de aquella experiencia y con esta grabación hemos seguido aprendiendo para seguir mejorando y enriqueciendo nuestros posteriores trabajos.

Una mejora considerable de vuestras habilidades individuales ha sido el factor determinante para otorgar el empaste y la solidez a unas canciones que en este disco tienen la capacidad de enganchar en todos los casos ¿De qué forma se refleja la experiencia acumulada en este trabajo? 

Por un lado, el aprendizaje que obtuvimos de la primera grabación que fue todo muy rápido y crudo. En este trabajo le hemos dedicado mucho más tiempo y hemos hecho diferentes pruebas y demos tanto en el local como en casa y a la hora de la grabación para que todo suene bien empastado y sólido. Hemos buscado la forma de darle matices a cada riff y una buena base rítmica sobre la que se sustente, además de darle más importancia a las líneas vocales creadas por Alberto. Aún así, nos queda mucho por aprender y mejorar (voces, solos, guitarras, composición, etc.) por lo que seguimos aprendiendo y ensayando todos los días para seguir mejorando.

Estimo que cada uno de vosotros tenéis vuestros propios gustos musicales y una distinta manera de concebir la música, ¿Cómo hacéis para alcanzar un determinado consenso a la hora de definir las pautas de actuación y musicalmente el camino a seguir? 

En cuanto a los gustos musicales, Alberto que es el hermano mediando de Jon es quien le ha inculcado el metal en las venas jeje. No sé si es cuestión genética pero los gustos de los dos hermanos coinciden en todos los grupos (tanto lo que gusta como lo que desde metal hasta pop y demás estilos musicales). Asier tiene gustos más actuales, no tan diversos quizás ya que el Old School no es un punto que le atraiga mucho o no se ha puesto con ello.

Musicalmente, el camino a seguir se define de una forma simple, pero es compleja a la vez. Hacemos lo que en cada momento nos pide el corazón. Puede ser lo más oscuro que escuches como una balada dedicada a una persona que queremos. Tenemos la visión de no cerrarnos a nada ya que, para nosotros la música es una vía de escape y de expresión de nuestros sentimientos que, de alguna forma, no exteriorizamos.

Las pautas de actuación también las tenemos marcadas una vez conocemos las fuerzas y debilidades de cada uno de nosotros. Jon se encarga de la composición y Alberto de crear las letras. Si hay algo que vemos que falta como alguna base rítmica, en el local nos ponemos a tocar y, entre los tres sacamos lo que nos convence.  

Llama mucho la atención que habéis querido usar vuestra música para concienciar al oyente sobre la importancia del bienestar emocional y la salud mental. Un instrumento para dar voz a quienes más lo necesitan. ¿Cómo surgió esa idea y que aspectos habéis tenido que pulir para poderlo materializarlo a buen recaudo?

Todo ello viene por una enfermedad de salud mental que ha padecido y sigue en bastante menor medida Jon. El resto del grupo también hemos tenido nuestros más y nuestros menos con la salud mental y queremos concienciar sobre la importancia de cuidar este aspecto.

Queremos que nuestra música sea una experiencia y un instrumento que ayude a personas que están en un momento complicado a apoyarlas, tratando que vean que no están solas. 

Materializarlo no ha sido complejo ya que Jon cogía la guitarra en sus momentos y empezaba a sacar riffs y melodías que expresaran todos sus sentimientos de malestar emocional. Todas estas ideas son las que han terminado siendo las canciones de este álbum.

Otro aspecto a destacar es que habéis decidido que todo el dinero recaudado tanto en la venta de discos como el merchandising será destinado una asociación dedicada al fomento del bienestar y la salud mental, ASCASAM. ¿Creéis que hay que mejorar la calidad de vida y defender los derechos de estas personas con sus serios problemas mentales?

Para nosotros la música es un hobby, una forma de vida que nos tiene enganchados y, a través de la cual, no solo queremos que nos sirva a nosotros sino también a gente a la que podamos ayudar. De ahí que hayamos decidido donar todos los beneficios en este caso a ASCASAM para poder ayudar a las personas con malestar emocional y problemas psicológicos. Nosotros creemos que la salud mental es la verdadera pandemia del siglo XXI y creo que si preguntásemos a cada persona, todo el mundo está sufriendo psicológicamente (y esto se transmite a nuestro estado físico) de alguna forma. 

Sin duda, hay que mejorar la calidad de vida pero la cuestión es, ¿podemos? Estamos en un momento vertiginoso con constantes cambios tecnológicos y sociales que, a nuestra forma de ver, solo empeoran este tema y, de cara al futuro, la cosa no pinta muy bien… Desde Disharmonik seguiremos con nuestro propósito de ayudar y apoyar a la sociedad en la medida en que podamos.

Composiciones como “In Flames”, “Overcoming my Inner Ghosts”, “Invisible” y “Never Surrender” reflejan un desarrollo totalmente congruente con el sentimiento que se quiere plasmar en cada momento. Las guitarras brillan con una gran densidad y complejidad merced a la búsqueda del punto y matiz guitarrero necesario para cada interludio rítmico. Además existen otras inclinaciones musicales que han encajando igual de bien entre si. ¿Hacia dónde progresan vuestros gustos e influencias musicales? ¿Todavía os influye la música de otros grupos o la inspiración surge exclusivamente del interior de vosotros? 

Aquí hay dos vertientes. Por un lado, sin lugar a duda influyen tantos nuestros gustos musicales (Death, Black, Thrash, Hard Rock e incluso AOR todo en su vertiente melódica) junto a la música que estamos escuchando en ese momento.

Por otro lado, el momento personal en el que nos ponemos con nuestro instrumento y lo que queremos expresar se muestra en un alto porcentaje de la parte compositiva. Si Jon coge la guitarra y está en un momento de rabia, saldrá algo cañero aunque haya estado escuchado Journey por poner un ejemplo. Pero si está derramando lágrimas a la vez que tocando, inevitablemente saldrá una parte melódica y triste.

Con ello, queremos decir que nuestras siguientes canciones pueden tirar por cualquier vertiente (sin salirnos del metal). Puede salir la canción más oscura y Black metalera como una balada en la que expresemos nuestro amor hacia una persona.

Lográis mantener el interés del oyente gracias a unas Influencias en perfecta consonancia y unos cambios de ritmo que aportan la variedad necesaria y unos registros vocales perfectamente adaptados a la línea musical. ¿Cómo se alcanza ese nivel de técnica y brillantez para saber cómo colocar cada elemento en el lugar adecuado y provocar una reacción emocional en el oyente? 

Pues aquí vamos a ser sinceros y es que el único que tiene estudios musicales de conservatorio es Alberto (y los tiene ya un tanto oxidados jaja). Creo que lo bueno que tenemos ahora mismo es eso, que no nos fijamos en las “reglas” de la música sino que tiramos de improvisación e inspiración. Jon comienza a tocar y no sabe si está haciendo la escala X o Y sino que está tocando con el alma sin fijarse en patrones. Y el resto del grupo, al igual. 

Además, como en una misma canción expresamos momentos diferentes, necesitamos de esos cambios de ritmos y variedad de estilos para poder plasmar esos momentos. De ahí viene el llamarnos Disharmonik, no tanto por no tener armonía sino por no guiarnos por patrones. De hecho, la mayoría de canciones no siguen el patrón de fraseo, puente, estribillo y repetimos de nuevo. Hacemos digamos “lo que nos da la gana” siempre y cuando nos suene bien y tenga sentido.

Obviamente para crecer musicalmente no hay que ponerse barreras de ningún de tipo. ¿Qué os resulta todavía más complicado de hacer la música o las letras?

Sin duda las letras y, más que las letras en si que en este caso han corrido a cargo de Alberto, las melodías y líneas vocales. Como dijo Álex de Benito, nuestro productor en este disco, no sois cantantes por lo que no tenéis que saber sacar líneas vocales. Esto nos complica la tarea y nos ha resultado bastante complicado. Sin embargo, es algo en lo que ya estamos intentando mejorar (además, Jon tiene que cantar y tocar la guitarra a la vez cosa que no es sencilla en un principio, pero que con ganas y práctica se consigue). En este álbum los estribillos que hay los hemos sacado a través de melodías de guitarra como, por ejemplo, en In Flames que se basa en la escala menor en La.

Habéis cuidado mucho tanto las formas como el contenido musical del mismo. El diseño es espectacular y la portada logra inmediatamente por la impactante imagen que contiene. ¿De qué manera están los conceptos implícitos en la misma?

Queríamos expresar el malestar emocional y los problemas de salud mental de una forma gráfica e incluso “personificada”. Compramos el artwork del demonio con alas de la portada y pagamos por los derechos ya que nos pareció una forma muy visual de cómo la sociedad actual y muchas de las cosas que nos rodean (personas, tecnología…) nos afectan a nivel emocional.

Este demonio tiene una espada clavada y de ahí salen las llamas lo cual es una analogía a como si en nuestra mente cada estacada que nos da el demonio es un problema que se va sumando al resto y eso va haciendo que nuestra mente se vaya estresando y enfermando. Seguramente veremos más veces a este Ser de la portada en otros tipos de situaciones en los próximos trabajos.

¿Cuál es vuestra opinión de los nuevos tiempos en la música? ¿No creéis que actualmente hay muchos grupos que saturan sus trabajos con exceso de producción de forma que oculta o disfraza la falta de creatividad? 

Totalmente de acuerdo. Samplers por todos lados, instrumentaciones que en directo no son posibles defender, baterías con ocho brazos y seis guitarristas, bajistas y cantantes por grupo para que la canción en directo sea fiel a lo grabado.

A nosotros no nos gusta sobreproducir ninguna parte por lo que todo lo que grabamos queremos que se pueda tocar en directo con el grupo que somos (1 batería, 1 bajista, 1 guitarra y cantante y otro guitarrista que estamos buscando). Además hay muchas bandas nacionales que merecen muchísima más repercusión a nivel internacional…

Sin lugar a dudas. El problema viene en el dinero y tiempo que tienes que invertir para tener una mínima posibilidad de que alguien te haga caso. Te voy a poner ejemplos que nos han pasado sin decir nombres, pero directamente webzines, revistas y discográficas nos piden dinero por el mero hecho de trabajar para ellos o de aparecer en sus medios. Y los precios no son para nada atractivos. Esto hace casi inviable conseguir una mínima repercusión a grupos que no dispongan de un abanico económico digamos amplio para poderlo destinar a promoción, videoclips, management, etc. Todo ello sumado a la autoproducción, fabricación y diseño del disco donde hablamos de unos miles de euros en este caso (y eso que es EP), si quieres alcanzar un sonido cercano a los grupos “profesionales”.

Por ello, y entre otras cosas como amistades dentro del mundo musical, el ser un estilo de música “alejado” del público masivo, dejar todo para dedicarte a ello sin ningún tipo de seguridad…, es tremendamente complejo ya dar el salto nacional, como para pensar en internacional. Calidad hay pero las probabilidades de éxitos son ínfimas o casi nulas. Cualquier grupo nacional de calidad, a ojos del público internacional sigue sin estar en equilibrio la balanza con respecto a un grupo de otro país de Europa (por decir un continente). Por desgracia, creo que el estigma que tienen fuera de nosotros sigue siendo el de un país de tercera categoría aunque demostremos con muchos hechos en temas musicales y en el metal que no es así. 

¿Cómo valoráis el momento que os ha tocado vivir como músicos? ¿Os mantenéis al día de las nuevas propuestas que van surgiendo dentro de vuestro estilo? 

El momento en caso de querer dedicarte a la música con una banda a nivel nacional es sumamente complicado. Necesitas mucho dinero, apoyo, suerte, y dejar todo para tener una mínima posibilidad.

Tenemos la suerte de tener nuestros trabajos base y poder dedicar parte de nuestro tiempo de ocio al grupo, pero sabemos que nuestras opciones de tener un mínimo de repercusión en la música son mínimas. Lo bueno es que es un hobby y nos lo pasamos muy bien y nos ayuda como terapia dentro de un amplio espectro de situaciones (desconexión, expresividad, vida social…).

En cuanto a mantenernos al día, Jon sobre todo es el que más conoce del panorama underground de la zona del País Vasco y Nacional ya que se encarga de las Redes Sociales, promoción, etc. 

Además, solemos ir los tres componentes a muchos conciertos de la zona por lo que siempre conocemos grupos. Suponemos que en cuanto comencemos a presentarnos en directo, este conocimiento será mucho más amplio.

Si tuvierais que definir en pocas palabras este EP para intentar convencer de escucharlo a alguien que aún no lo ha escuchado, ¿cuáles serían? 

Lo decimos desde el punto de vista del EP y desde el punto de vista de banda: “My Inner Ghosts” contiene algunos de los mejores temas que puedes escuchar de los últimos años.

Como banda, nos atrevemos a decir que, teniendo las oportunidades adecuadas, podemos ser la consecución lógica de grupos como Metallica, Slayer, Dissection, Rotting Christ… a nivel composición de sus primeros álbumes y a nivel directo.

Ahí lo dejamos jejeje si no creyésemos eso no hubiéramos publicado el disco ni estaríamos haciendo el esfuerzo en promocionarlo. Sabemos cuál es la realidad y dónde estamos pero, también nuestro potencial =)

¿Qué planes tenéis para el futuro más inmediato? 

Actualmente estamos promocionando el nuevo EP y ensayando ya en formato directo para sobre primavera poder comenzar a tocar en directo que es lo que nos gusta.

A la vez, estamos también preparando los temas del siguiente álbum y pensando en colaboraciones e ideas para poder seguir donando los beneficios a diferentes asociaciones que fomenten el bienestar emocional de las personas y también el físico y enfermedades raras.

Antes de empezar a conversar sobre vuestro primer trabajo de larga duración “Iluntasunean Babesien”, me gustaría que me hablarais un poco de vuestros inicios y como ha sido vuestra andadura musical hasta la creación de este primer disco.

Antes de nada, muchas gracias por la entrevista y por el apoyo constante a las bandas locales; el curro que hacéis desde esta web es oro puro y se agradece.

HellMugan nace de la unión de seis músicos con experiencia a sus espaldas, procedentes de diferentes bandas y trayectorias, que acaban confluyendo a partir de la chispa inicial de Ayar (guitarra, ex Burning Preacher) y Joseba (voz, ex Rezikle). A comienzos de 2022 ambos compartían la necesidad de levantar algo nuevo, contundente y sin concesiones, pero con groove, peso y ritmos machacones como columna vertebral.

Joseba invitó rápidamente a sus colegas Asier (bajo) y Gorka (batería), ambos ex Rezikle, Asier consiguió un local y comenzaron los primeros ensayos, recuperando un par de temas de composición del propio Asier de aquella etapa y agregando dos nuevas composiciones de Ayar, ese fue el germen inicial. Así se pusieron los primeros ladrillos de HellMugan.

El proyecto terminó de coger forma con la llegada de Gomi (guitarra, ex Morgue – Irún), dando al grupo más pegada, amplitud, gracias al formato de dos guitarras, sostenido por una base rítmica sólida y bien engrasada, con Asier y Gorka curtidos tras haber tocado juntos en varias bandas. El último en subirse al barco fue Iban (El Quinto Con Tenedor, Hybrid Moon), amigo y cómplice de Joseba, aportando nuevos matices vocales y un sello propio que terminó de definir la identidad de la banda, un sexteto con dos cantantes.

En el verano de 2023 grabamos nuestro primer EP en Nekronan Estudios (Astigarraga) bajo el mando de Nando Barradas, con cuatro temas para dar a conocer nuestra propuesta. Ese mismo año también lanzamos un videoclip y debutamos en la sala Niessen en octubre de 2023 junto a Lujuria y Ethernal. Entre 2023 y 2025 dimos varios bolos por distintas salas de la zona, afianzando el directo y puliendo detalles, compartiendo escenario con bandas como Eraso, Killus, Elizabeltz, Pandemoldium, Biersbreaker, Neige Morte, Ira et Decesus, Dyscordia, entre otras.

Estimo que el proceso de composición de este primer disco ha sido más largo, una mayor inspiración creativa y atrevimiento en ir un paso más allá en contundencia, un crecimiento en versatilidad y búsqueda de ciertos aspectos de modernidad en el sonido. ¿Cómo se ha desarrollado todo el proceso creativo? ¿Cuáles han sido esas nuevas influencias que os ha ayudado alcanzar tal elevado grado de complejidad y madurez?

En realidad, el grueso de los temas del disco lleva rodando desde nuestro debut, con la excepción de dos o tres que se fueron incorporando más adelante al setlist. El proceso creativo suele arrancar desde las cuerdas: Asier suele tomar la iniciativa, aunque Ayar y Gomi también llegan al local con ideas que se van puliendo a base de ensayo hasta acabar convertidas en canciones. Las letras llegan al final, y es entonces cuando las voces terminan de esculpir el sonido definitivo.

No hay una búsqueda consciente ni un concepto cerrado; sí algunos pilares claros, como construir temas con riffs sólidos y groove. A partir de ahí, todo fluye de forma bastante natural, y cuando una idea o un tema no funciona, se descarta sin darle más vueltas ni remordimientos.

La variedad rítmica y la capacidad de evolución en cuanto a matices y efectos son los rasgos más llamativos de esta nueva obra. Los temas no siguen una línea similar y hay mucha diferencia entre unos y otros. Contarnos brevemente cómo ha discurrido la grabación en NekroNan Estudios, da la sensación de que hay bastante partes grabadas en directo, buscando un sonido lo más parecido a como sonáis sobre un escenario. 

No somos del todo conscientes de cómo percibe nuestra música la gente que está fuera de la banda. En algún momento nos hemos preguntado si los temas pueden resultar muy diferentes entre sí, y probablemente eso tenga que ver con que cada canción nace con el sello personal de quien la impulsa inicialmente. Aun así, cuando las ideas se ponen en común, todos acabamos aportando lo nuestro de forma inevitable.

La principal diferencia entre el EP homónimo de octubre de 2023 y nuestro disco “Iluntasunean Babesten” (noviembre de 2025), ambos grabados en Nekronan, está en el sonido de la batería: queríamos que sonara más natural, más cruda y auténtica, alejándonos de cualquier sensación digital, quizá incluso pasándonos un poco. La intención era clara: sonar lo más fiel posible a lo que ofrecemos en directo, sin disparos ni artificios, todo 100% tocado.

¿Teníais claro cómo queríais que sonará el álbum antes de entrar al estudio?

Queríamos sonar algo más orgánico, comparando con el E.P, por lo demás creemos que somos bastante inconscientes, en todo el sentido de la palabra.

Hay muchas bandas que irrumpen fuerte con su primer disco y a medida que pasan los años van perdiendo cierta credibilidad al repetir lo mismo una y otra vez, unos patrones muy lineales y poca capacidad de imaginación, pero en vuestro caso parece lo contrario. Supongo que cuando uno quiere crecer aún más, necesita nutrirse también de otras cosas, poner a prueba los límites de lo imposible. ¿Qué particularidades tiene este disco en lo musical? ¿Hasta que punto habéis enfocado esta vez el concepto de la producción?

Nos alegra que se perciba una evolución, aunque para nosotros todavía es complicado hacer un balance claro del sonido y del crecimiento de la banda; quizá dentro de otro disco tengamos una perspectiva más nítida. Siempre hemos sido bastante autocríticos puertas adentro: al principio éramos más incisivos y todo se discutía al detalle, pero con el tiempo, al conocernos mejor, hemos aprendido a entender nuestros roles, a dejar hacer a quien más sabe en cada terreno y, sobre todo, a confiar en el criterio de los demás.

Ser seis personas, todas con el mismo derecho a opinar, puede convertirse fácilmente en una pequeña locura a la hora de tomar decisiones. Nos pasa con cosas como la portada del disco, el diseño del merch, el orden de los temas, escoger el single, la edición de un videoclip o cualquier acuerdo de banda. Sin embargo, en lo que respecta a la producción musical de este trabajo, todos hemos sabido ceder un poco y dejar actuar a quien realmente domina cada aspecto y que lo hable con Nando directamente.

Otro aspecto a destacar es que habéis sido capaces de canalizar mucho mejor todos vuestros sentimientos de rabia en las letras. ¿Qué clase de tópicos son los que abordáis en vuestras canciones? 

El disco no es un álbum conceptual, pero sí hay canciones que tienen tres elementos en común: la oscuridad, la soledad y la libertad, y cómo aprender a abrazarlas. Todos tenemos nuestros demonios internos, algunos más rebeldes que otros, y hay que saber tratarlos, amansarlos, vivir con ellos… para poder volver más fuertes y sin complejos. Joseba es quien se suele encargar de ese apartado.

“Iluntasunean Babesten” fue el tema que habéis elegido de cara a la promoción del mismo. ¿Cuál ha sido la razón de decantarse por él y no otro? 

Es un tema con gancho, con un riff muy pegajoso y un estribillo fácil de cantar. Ninguna decisión es fácil, muchas veces votamos y hay que desempatar varias veces, al ser número par, suelen darse estos escenarios, pudo ser otro tema… quizás… hay varios temas con buen gancho en este disco. El videoclip de este tema se hizo con tomas del proceso de grabación del disco.

El álbum alberga un montón de detalles que se van revelando con cada escucha. ¿Habéis tenido una actitud abierta a la hora de probar diferentes tonalidades?

Gracias por escuchar más de una vez, esa es la forma como realmente se debe abordar un disco, algo que se ha perdido en los tiempos actuales. La actitud de la banda en realidad ha sido sacar adelante el álbum como objetivo principal, lo demás ha surgido naturalmente.

¿Cuál fue el tema que más disfrutasteis grabando y el que os dio más quebraderos de cabeza?

Ayar: “Lotura” es un tema muy especial para mí, ya que fue una idea que propuse prácticamente al inicio de la banda. Es bonito comprobar cómo algo que nació hace tres años acaba tomando forma real gracias a la aportación, talento y el empuje de los compañeros. Como en todas las grabaciones, también hubo sufrimiento: es en el estudio donde se te ponen delante todas tus propias carencias, donde cada detalle queda al descubierto. Por suerte, tuve a Asier y a Nando ahí, empujando y dando ánimo en todo momento. “Iluntasunean Babesten”, el primer single, fue un dolor de cabeza para mí, riffs endemoniados, cargados de matices, que incluso a día de hoy siguen poniéndome a prueba para tocarlos exactamente como fueron concebidos.

Joseba: He disfrutado grabando todo el disco la verdad, con míster Nando y mi compi Iban, nos lo hemos pasado como enanos. La canción que más me ha costado a lo mejor es “Wolves Calling”, que al ser en inglés y no dominar el idioma, siempre tienes que hacer un esfuerzo extra para que quede lo más fiel posible.

Gorka: El tema que cierra el disco “Wolves Calling” me gusta, lo disfruto mucho al tocarlo y al momento de grabarlo también fue así, es un tema muy divertido; por otro lado, la canción que menos he disfrutado grabando es “Jainko Berriak” porque me exige mucha atención y no me divierte tanto como los demás.

Gomi: “Zazpi buruko piztia” es el tema con el que más contento me he quedado. Fue el último en entrar en el setlist y también el que más nos hizo sudar, porque el solo lo terminé de sacar ya en el estudio, grabando, sobre la marcha, todo un reto a contrarreloj.

Asier: Yo los grabé en casa, tranquilamente, a mi ritmo. Todo bastante de chill, la verdad.

Iban: “Usteltzen” para mí ha sido el más exigido y a la vez el que me ha gustado más como ha quedado de todo el disco.

Lográis mantener el interés del oyente gracias a unas influencias en perfecta consonancia y unos cambios de ritmo que aportan la variedad necesaria y unos registros vocales perfectamente adaptados a la línea musical. ¿Cuál es para vosotros el elemento más importante en una canción? 

Tener buenos riffs, que tenga una base sólida rítmicamente hablando, también es importante que el esquema sea el de una canción, que las letras puedan encajar de forma que te den ganas de cantarlo, que exista una melodía vocal incluso en las partes más brutales.

Supongo que cada uno de vosotros tenéis vuestros propios gustos musicales y una manera distinta de concebir la música. ¿Cómo hacéis para alcanzar un determinado consenso a la hora de definir las pautas de actuación y musicalmente el camino a seguir?

El consenso como tal es difícil de lograr en un sexteto, mientras más personas, más opiniones, todas respetables, pero la clave es precisamente el respeto y el dejar actuar a los demás, no siempre se logra y a veces saltan chispas, pero vamos mejorando.

¿Os habéis involucrado todos en el tema de arreglos o habéis seguido fundamentalmente unas pautas fijadas de antemano? 

Asier suele traer las cosas más claras y junto a Gorka suelen construir los temas con mayor facilidad, dado que hablan en un idioma que solo ellos entienden, un espectáculo verlos comunicarse con terminología inventada por ellos mismos, fuera de bromas, se complementan muy bien dado el tiempo que han tocado juntos en otros proyectos. También ellos dos son fundamentales cuando Ayar o Gomi traen sus temas, la base rítmica tiene mucho que decir en esta banda y las voces, aunque se incorporan al final, son las que suelen definir los temas dándole un carácter u otro.

¿Qué aspectos musicales propios creéis que os pueden hacer destacar del resto de grupos actuales? 

Hay muy pocas cosas por descubrir en este tipo de música, quizás el hecho que haya dos voces diferenciadas entre sí en el ámbito del thrash / groove cantado en un idioma como el euskera, podría ser nuestro sello definitivo.

Habéis cuidado mucho tanto las formas como el contenido musical del mismo. El diseño es espectacular y la portada logra inmediatamente por su colores. ¿Quién ha hecho el Artwork?¿De qué manera están los conceptos implícitos en la misma? 

El encargado de hacer la portada del disco ha sido el dibujante Iñaki González Holgado, quien ha hecho un increíble trabajo en plasmar la idea global del disco, el abrazar la oscuridad. Es un talentoso dibujante que ha trabajado en distintos sectores como la animación, los videojuegos, portadas… que ahora se dedica al mundo del cómic, colaborando en varias revistas de prestigio como por ejemplo la americana Heavy Metal o incluso la belga Spirou. Los nacidos en los 90 quizás recuerden las revistas que nos repartían en las ikastolas, Xabiroi o Ipurbeltz, donde él las dibujaba. La verdad que ha sido un auténtico placer trabajar con él. ¡Un abrazo Iñaki!

¿Cómo está funcionado el disco hasta ahora a nivel de crítica y aceptación? 

Las reacciones han sido muy positivas con el álbum “Iluntasunean Babesten”, tanto por parte de la crítica como de amigos y seguidores, y eso nos da el combustible necesario para seguir adelante, tanto los dos vídeos que lanzamos, como el disco en su totalidad han recibido buenos comentarios en redes y por interno, el feedback es muy positivo. 

Al tratarse de una autoproducción, tampoco hemos hecho una promoción masiva; de hecho, a partir de ahora nos centraremos en mover el disco como se merece durante todo 2026, llevarlo a distintos escenarios y defenderlo a muerte sobre las tablas.

Aun así, la primera sensación ha sido de puro alivio: cerrar el proceso, tener por fin el disco en las manos y empezar a notar el interés de gente que nos escribe desde Cataluña, Francia y todo Euskal Herria para pedir que les enviemos el disco físico o simplemente para felicitarnos. Es una pasada.

Vivimos en una época donde la tecnología juega un papel importante. Grabar un disco está al alcance de cualquiera, con lo que ocasiona es que haya un exceso de bandas e incluso muchas de ellas no ofrecen casi nada nuevo. ¿Cuál es vuestra opinión de los nuevos tiempos en la música?

Es una época claramente marcada por la democratización de la tecnología, y eso tiene una doble cara. Por un lado, es positivo que hoy cualquiera pueda grabar un disco y sacar su música adelante sin depender de grandes estructuras. Pero, al mismo tiempo, esa facilidad ha generado una sobreexposición brutal: hay tanto contenido circulando que muchas cosas se diluyen, se pierde alcance real y todo parece durar muy poco, las vistas en YouTube no tienen el mismo impacto que hace pocos años atrás, por ejemplo.

La música se consume a una velocidad enorme, creemos que el verdadero reto ya no es grabar un disco, sino conseguir que alguien se detenga, escuche de verdad y conecte con lo que haces, ese es el mejor halago a tu trabajo. Para nosotros sigue siendo clave defender las canciones en directo, construir algo con identidad y dejar que el tiempo y los escenarios hagan su trabajo.

¿Creéis que la música en vivo pasa por un buen momento, en el sentido de que la nuevas generaciones no están a la altura de tiempos pasados en predisposición de descubrir nuevas bandas y apoyar la música en vivo? 

La música en vivo sigue teniendo un lugar importante, pero el panorama ha cambiado mucho. Las nuevas generaciones, en su mayoría, prefieren consumir música de manera más inmediata y cómoda, como a través de plataformas digitales o viendo videos en línea. Los grandes eventos masivos han ganado mucha popularidad, mientras que los conciertos más íntimos o en salas pequeñas se resienten, siguen teniendo su público fiel pero minoritario, es un nicho específico. Los lanzamientos de bandas ¨locales¨ luchan por captar atención en medio de una oferta musical saturada y pocos lugares para tocar.

¿Cómo veis la industria musical en este momento? ¿Cuáles serían vuestras alternativas para intentar dar la vuelta a la situación?

La industria musical está sobresaturada, pero hay muchas cosas interesantes para quien quiera buscarlas. La clave es ser creativo, constante y conectar con un público que realmente valore tu música, sin depender solo de redes o tendencias. Todo esto es pura teoría porque tampoco tenemos la clave para revertir nada, todo es muy cambiante en estos tiempos.

¿Por dónde pasan los planes de futuro de la banda a medio y a largo plazo? 

A medio plazo, nuestro objetivo es presentar el disco en todos los lugares posibles. Ya tenemos la contratación abierta y queremos llevar nuestra música por toda Euskadi y el norte de la península, para captar la atención de organizadores de conciertos y festivales. 

A corto plazo, empezamos ya: el 27 de diciembre tocamos en Goiko Eskola (Oiartzun) junto a Aximila y celebrando el lanzamiento del disco entre amigos en petit comité. Después, la gran cita será el 8 de mayo en la sala Niessen, en el VII Butarock, presentando nuestro disco en nuestro propio pueblo junto a nada menos que Dünedain y Budasam. Esperamos ir sumando más fechas próximamente.

A largo plazo, un objetivo soñado sería poder completar un segundo disco y que éste sea aún mejor que el que acabamos de presentar. El tiempo dirá si somos capaces.

Aprovechamos esta parte final de la entrevista para agradecer toda la visibilidad que nos habéis dado desde el minuto cero de esta aventura en The Sound Of The Embryo, sin dudas sin estos espacios que nos dais desde los medios independientes, bandas como HellMugan tendrían muy pocas oportunidades de difundir su trabajo. Eskerrik Asko Mikel!!

La promotora Oliskull está llevando a cabo su nueva gira “Intemporal Bifronte”, una celebración intensa y profunda de su trayectoria, con un espectáculo cuidadosamente diseñado para rescatar la esencia de su música desde una nueva mirada, más emocional y cruda que nunca. He podido conversar con él a escasos días de su actuación D8 Sorkuntza Faktoria (Zorroza, Bilbo) para conocer más detalles de la misma.

¿Como surgió la idea de hacer una gira tan especial y única en la que estás rindiendo homenaje a tu gran trayectoria como vocalista, reinterpretando grandes temas de Skizoo, InMune, Bushido y El Fantástico Hombre Bala?

Seis canciones que exploran el cambio, las decisiones  y sus consecuencias, las despedidas y la decepción, el aprendizaje que  nace del error y, sobre todo, la resiliencia: la capacidad de levantarse, mirar hacia adelante y continuar con fuerza y motivación incluso en los momentos más oscuros.

El haber tenido una disponibilidad de tiempo mucho más amplia os ha permitido añadir ciertos aspectos de modernidad en el sonido y experimentar con diferentes matices, una amplitud de miras a la hora de trenzar y conjugar elementos que esconden mucho más de lo que se puede apreciar en un primer contacto, alcanzado una gran densidad y complejidad en las bases rítmicas. 

Una colección de canciones que suenan inmediatas y directas, construidas desde estructuras firmes, albergando destellos de nuevos conceptos y formas en la unión de matices muy dispares. ¿Qué retos o estímulos teníais para este disco? ¿Cómo se ha desarrollado todo el proceso creativo? 

Una vez terminada la gira de presentación de nuestro anterior disco, estábamos en una especie de letargo, haciendo solo algunos conciertos puntuales. El año pasado tuvimos la suerte de acompañar de gira a Cancer Bats y ese fue el detonante: ver de cerca a una banda con esa energía y actitud tan underground nos contagió y nos animó a ponernos manos a la obra. El estímulo fue básicamente ese, retomar la actividad. Para eso vimos imprescindible componer material nuevo y plasmar ideas que llevaban tiempo rondando nuestra cabeza.

No teníamos prisa ni fecha límite, así que empezamos a componer de forma muy natural, simplemente por disfrutar del proceso, hasta que vimos que había suficientes temas para grabarlos y publicarlos.

Supongo que los cambios acontecidos en el seno de la banda, las entradas de Sergio (Highlights) e Iñigo Ibarrondo (Sharon Stoner) ha contribuido a este ligero cambio de dirección musical hacia algo más abierto y personal. ¿Ha sido así?  

Por un lado, Sergio entró a sustituir a Ekain nada más publicar “Fyre”, por temas logísticos de directos y, después de cuatro años, de manera muy natural, Ekain le cedió el puesto en la banda.

Por otro lado, cuando hablamos de volver al local a componer cosas nuevas, David decidió no sumarse. Eso influyó en la dinámica, porque hasta ahora las canciones nacían de ideas o riffs que David y Josu traían de casa; esta vez éramos tres y la fuente inicial de riffs era solo una. Eso hizo que todo fuera más colaborativo y directo, con cada uno aportando ideas.

A nivel musical, todo influye, porque las canciones se nutren de quienes las están creando. Pero también es cierto que en determinados momentos de la vida puedes decidir tomar una u otra dirección aunque no haya cambios en los integrantes. “Henko” es simplemente el resultado natural de esa etapa compositiva.

Iñigo llegó al final, muy motivado y con mucha energía. Las canciones ya estaban listas, así que su trabajo fue darles el toque de bajista, adaptar líneas, hacer arreglos y enriquecer los temas.

En este nuevo disco “Henko” hay aspectos que denotan un deseo de crecimiento continuo de vuestras posibilidades, sin ahogarse en actos que resulten forzados. ¿Hasta que punto habéis enfocado esta vez el concepto de la producción junto a vuestro productor y técnico de sonido Xanpe?

Con Xanpe ya tenemos mucha confianza. Cuando empezamos a hablar del disco le dijimos que nos gustaba el sonido del anterior, y él soltó: “Eso es el pasado; este va a ser mejor en todo.” Con una frase así, pues oye… te relajas y te dejas llevar, jeje.

Nos conoce muy bien, sabe cómo sonamos y qué buscamos. Pero además sabe muchísimo de música, así que sus ideas siempre están encima de la mesa. La producción fue un proceso muy natural: sabía qué empujar, qué limpiar, qué ensuciar y dónde dejar espacio. Todo suena firme y potente, pero sin que nada parezca metido con calzador.

Foto: Galder Izagirre

“Henko” mantiene la fuerza y contundencia que definen a la banda pero inaugura una nueva etapa, renovada y con una identidad ampliada. Un viaje de profundas emociones y contrastes, reflejando inquietudes y vivencias de cada uno de vosotros. ¿Cuál ha sido la razón de hacer un disco tan íntimo y personal?

Porque nos pilló en un momento más sensible, jejeje. En serio: los últimos años han sido de cambios dentro de la banda y en nuestras vidas personales. Cobra siempre hemos sido una banda muy musical, donde las letras acompañaban sin buscar un mensaje especialmente profundo. Pero al escribir este disco nos sentamos a hablar y acordar de qué queríamos hablar y con qué queríamos sentirnos reflejados.

Las letras tratan sobre el proceso de cambio, no solo en la banda sino en lo personal, y también sobre cosas externas que están ocurriendo en el mundo, auténticas atrocidades que no queríamos ignorar.

Todo eso nos llevó a un disco más personal, pero también muy positivo: el concepto de “Henko” va de eso mismo, de cambiar y tirar hacia adelante.

Con cada canción habéis buscado una manera distinta de expresar vuestros sentimientos, adornadas de ciertas tesituras y líneas de guitarra y rítmica bien empastadas. ¿Cuál es para vosotros el elemento más importante en una canción? 

La intención. Puede ser un riff sencillo, un ritmo raro o un estribillo enorme, pero si no te mueve algo por dentro, no vale.

El germen casi siempre es el riff. Todas nuestras canciones parten de uno o dos riffs que nos hacen vibrar y pensar: “aquí hay tema”. Luego viene el trabajo de estructura y composición. A veces la voz llega al final, otras veces es la voz la que termina de darle forma al conjunto.

En una primera toma de contacto da la sensación de ser un disco de gran versatilidad rítmica, con una elevada precisión interpretativa y riqueza melódica, pero escuchándolo atentamente te das cuenta del gran trabajo que hay detrás, repleto de detalles y matices. ¿Está es la visión correcta para un mayor disfrute del mismo?

Cada uno disfruta como quiere, no creemos que haya una forma “correcta”. A nosotros nos gusta incluir arreglos o detalles, aunque sean sutiles. Puede que no se perciban en las primeras escuchas, pero están ahí. Y sí: cuando escuchas un disco que has oído cientos de veces y todavía descubres un detalle nuevo, mola mucho… pero tampoco creemos que COBRA estemos en ese Olimpo, jeje.

“Henko” es una palabra japonesa que significa “cambio transformador irreversible”. Hay que concebir este disco con un punto de inflexión en vuestra trayectoria, dejando ya aparcado definitivamente esas adaptaciones de películas y series. ¿Hacia donde progresan vuestros gustos e inquietudes musicales? 

Seguimos siendo muy de riffs, de energía y de guitarras, pero escuchamos muchísima música distinta. No pensamos en etiquetas o escenas, sino en lo que nos inspira en ese momento. Las influencias pueden venir de pelis, series, electrónica, metal, bandas clásicas… un poco de todo.

Y aunque ya no dependemos tanto de adaptaciones de pelis para escribir letras, tanto como “aparcadas definitivamente” tampoco diríamos… siguen apareciendo referencias, solo que de forma menos explícita.

Personalmente para mí una de las virtudes de este nuevo trabajo, aparte de la calidad de las canciones, es la riqueza de matices, las espléndidas melodías vocales y la perfecta conjunción entre si de todos los elementos ¿Ha habido algo que os haya influenciado a la hora de buscar ese sonido que queríais alcanzar? 

Instrumentalmente con Xanpe hemos probado otras maneras de sonar y se nota. Siempre hay alguna referencia de algún disco que te gusta pero nunca hemos intentado sonar a otra banda. Nos atrae no sonar siempre igual y se podría decir que cada disco es la fotografía de ese momento concreto. No ha sido algo buscado, fuimos trabajando poco a poco y soltando lo que sentíamos a la hora de crear las canciones, sin prisa pero sin pausa y este ha sido el resultado.

Lo más normal es evolucionar de una manera natural y coherente. Este álbum es vuestro disco más ambicioso hasta la fecha debido a su contenido musical y conceptual. ¿Habéis tenido una actitud abierta a la hora de probar diferentes tonalidades y efectos? 

Sí, pero sin volvernos locos. No somos una banda experimental o progresiva, pero sí curiosa. Si algo pedía un efecto, una armonía distinta o una idea un poco loca, lo probábamos. Si funcionaba, se quedaba; si no, fuera. La idea era no forzar, pero tampoco ponernos barreras.

“Drawn to the Flame” fue el primer tema elegido de cara a su promoción, contando con la colaboración a las voces de Zaloa (Kokein). ¿Tiene algún significado especial para vosotros? 

La colaboración fue totalmente fortuita. Zaloa es amiga de la banda desde el inicio y siempre tuvimos ganas de hacer algo juntos. Tiene muchísimo talento y nos encantó poder contar con ella.

Durante los días de grabación de voces pasó por el estudio, le enseñamos el tema y le preguntamos si quería grabar unos coros. No dudó ni un segundo. Se puso al micro y nos dejó alucinados. No hizo falta pensar mucho para escoger el single.

Lográis mantener el interés del oyente en cortes como “Hontzaren Hegaldia”, “Odol/kare” y “Lost & Found (The Constant)” gracias a unos cambios de ritmo que aportan la variedad necesaria y unos registros vocales perfectamente adaptados a la línea musical. ¿Cómo se alcanza ese nivel de técnica y brillantez para saber como colocar cada elemento en el lugar adecuado y provocar una reacción emocional en el oyente? 

Horas y horas de local y de escucha en casa de los temas, básicamente, jeje. Intentamos que cada elemento esté al servicio de la canción: si un cambio de ritmo intensifica algo, lo metemos; si la voz pide calma o rabia, se ajusta.

No es tanto técnica de conservatorio como prueba-error y mucha escucha y debate entre nosotros hasta dar con la estructura que nos convence.

¿La resiliencia, la capacidad de recuperarse, aprender de los errores y usarlos para continuar con fuerza y motivación, es una de las lecciones que habéis aprendido durante tantos años de trayectoria musical?

No lo habíamos visto así, pero sí, totalmente. COBRA siempre ha sido una banda “a rachas” por logística y agendas imposibles. Si no hubiéramos aprendido a adaptarnos, parar cuando tocaba y volver cuando se podía, la banda no existiría hoy. Pero más que la música, es la vida misma la que te va enseñando a superar obstáculos mientras intentas disfrutar del viaje.

¿Pensáis que es necesaria la ambición para la supervivencia de un grupo?

La justa. Ni pasarte, ni quedarte dormido. Ambición en el sentido de querer hacer las cosas bien, evolucionar y disfrutar del proceso. Pero sin flipadas ni querer ser algo que no somos, creemos que hay que tener los pies en la tierra.

¿Qué bandas os hicieron marcar el camino que lleváis en vuestra música? 

Somos cuatro, y cada uno te podría hacer una lista de cinco bandas que le han influenciado… y probablemente no coincidiría ninguna, xD. En parte esa es la gracia.

Muchas: desde el rock y el metal de los 90 hasta bandas de hardcore, grupos más experimentales, post rock/metal, cosas más pesadas, cosas más melódicas, los  clásicos de los 70/80, bandas sonoras… un cóctel variado.

Foto: Galder Izagirre

Me gustaría saber vuestra opinión sincera de como veis la escena vasca en la actualidad, estimáis que hay mucha competencia y poco público…

La escena vasca siempre ha sido muy potente y creativa, con actitud y un nivel altísimo. Hay grupos para aburrir. La gente sigue teniendo ganas de música, pero ahora hay mil ofertas y cuesta más destacar. Además, la forma de consumir música ha cambiado radicalmente: macrofestivales, streaming, redes sociales…

Vivimos con el mayor acceso a música de la historia, pero a la vez parece que hay menos espacio para propuestas alternativas. Lo mainstream es más mainstream, y lo alternativo es más alternativo que nunca.

¿Cómo valoráis el gancho que ejercen las nuevas tecnologías en el panorama musical actual? 

Es una situación un poco distópica. Vivimos al servicio de las redes, y en la música igual: sin ellas parece que no existes (la gente no se va a enterar de tus novedades, no va a escuchar tu música, no va a ir a tus conciertos…).

Tienes que estar ahí y hacer las cosas como el algoritmo quiere, o simplemente no te muestra porque prioriza otro contenido que le es más rentable. Es triste, sobre todo para las nuevas generaciones que ya lo ven como algo normal. 

El disco lleva poco tiempo en la calle. ¿Se están cumpliendo las expectativas depositadas en él? ¿Como está siendo la respuesta de la gente en vuestros conciertos?

De momento estamos muy contentos. La acogida está siendo muy positiva. El otro día dimos el primer concierto de la gira: primer bolo en año y medio, primero con Iñigo al bajo y primero presentando los temas de “Henko”. Tanto nosotros como el público quedamos muy a gusto. Al componer Henko pensamos mucho en lo que funciona en directo, y con los temas nuevos el repertorio ha quedado muy chulo.

¿Consideráis que definitivamente se ha eliminado el complejo de inferioridad de las bandas nacionales con respecto a las de fuera? 

Buff… aquí hay grupos con calidad, actitud y propuestas increíbles. No creemos que ya exista esa sensación de que “lo de fuera es mejor”. Lo que falta, muchas veces, es exposición o apoyo, no talento.

¿Qué le dirías al público para que se decante por vuestro disco en particular y acuda a vuestros conciertos?

Que si les gusta la música con energía, emoción y un poco de mala leche, que se pasen. Intentamos ser honestos, darlo todo y hacer que lo pasen bien. Y que en directo es donde COBRA se entiende de verdad: volumen, sudor, energía y un rato para olvidarte de todo.

Un viaje emocional que transita entre la fragilidad y la furia, entre la rendición y la resistencia, con un sonido que se mueve entre el rock alternativo y el pop visceral. Una declaración de independencia emocional, la historia de alguien que cae mil veces, pero siempre elige levantarse.

¿Cómo surgió vuestro nombre?

El nombre Decode surgió casi de forma natural. Empezamos en jam sessions tocando versiones, y uno de los primeros temas en los que sentimos verdadera química como banda fue el tema “Decode” de Paramore. Cuando llegó el momento de elegir el nombre para la banda, después de barajar varias ideas, alguien propuso este nombre y lo adoptamos por unanimidad. demás, fonéticamente veíamos que funcionaba bien en castellano y en inglés.

¿Qué bandas os han marcado el camino?

Más que marcarnos un camino, nos han influenciado en el sonido y en la forma de componer. Cada uno aporta su propio mundo: Enrique y Luigi beben mucho del rock alternativo de los 90, Alberto trae influencias del metal y Anuskka aporta su raíz soul.

Si hablamos de referencias claras, mencionaríamos los riffs furiosos de Royal Blood, el sonido Stoner de Queens of the Stone Age, la introspección de Radiohead o la energía de bandas como Paramore. Esa mezcla, sumada a nuestras experiencias personales, es la que termina definiendo el sonido de Decode.

¿En qué habéis avanzado respecto al primer disco homónimo?

En nuestro primer disco Decode todavía no estábamos tan consolidados ni compenetrados como banda: éramos bastante inexpertos en grabación y producción, y, si somos honestos, también estábamos más verdes con nuestros propios instrumentos, por ejemplo, Luigi el bajista, venía de tocar la batería en otra banda, Enrique el batería venía de ser guitarrista, y aunque había muchísimo trabajo y ganas, esa falta de rodaje se notaba. Además de esto, fue un disco que al poco tiempo de lanzarlo fue frenado en seco por la pandemia.

En cambio, “Kamikaze” es un trabajo mucho más maduro y más consciente, donde se aprecia claramente un mayor rodaje en todos los sentidos. El cambio de cantante y el paso al castellano también han marcado un antes y un después, aportando un sonido más evolucionado, más personal y más coherente con quiénes somos hoy. Es un disco en el que hemos podido arriesgar más, profundizar más y reflejar con mucha más claridad nuestra identidad actual.

¿Os habéis involucrado todos al 100% en los arreglos?

Sí, aunque el proceso empieza muchas veces con una “semilla”, por ejemplo, un riff, una idea de voz y guitarra, una base rítmica. Al llegar estas ideas al local, comenzamos a trabajar primero en la parte de la estructura, después hacemos más foco en los arreglos, pero por decirlo de forma general, a todas esta ideas les aplicamos el filtro del sonido de Decode, que es lo que nosotros internamente llamamos “decodizar” las canciones. En este proceso, cada uno aporta su bagaje y su forma de sentir con lo cual el producto final siempre es una construcción hecha entre cuatro, y el punto de partida siempre es la emoción. Si la semilla mueve algo dentro, sabemos que ese es el camino.

¿“Kamikaze” es un trabajo más íntimo?

Sí, totalmente. “Kamikaze” es nuestro trabajo más íntimo hasta ahora. Es un disco que se mete de lleno en un viaje emocional muy crudo.

El título no es casual. “Kamikaze” es lanzarte sin red, con el corazón por delante, aun sabiendo que puede doler o incluso destruirte. Todo el disco respira esa tensión entre impulso de lanzarte y el vértigo del abismo, y esa tensión emocional es lo que lo hace profundamente íntimo.

A nivel vocal y narrativo, con Anuskka al frente, esa vulnerabilidad se escucha mucho más clara. Hemos trabajado las letras y las emociones desde un lugar muy honesto, dejando que la historia se cuente tal cual, sin filtros.

En ese sentido, sí: “Kamikaze” es un disco que abre el pecho, que muestra más de lo que antes nos atrevíamos, y que convierte nuestras cicatrices en canciones.

Ideas fundamentales del disco

“Kamikaze” gira en torno a un viaje emocional que va del colapso a la liberación. El disco explora temas como el peso del mundo, la ansiedad, el amor adictivo, la rabia contenida, la pérdida, la reconstrucción y la necesidad de sobrevivir a uno mismo.

También habla de lanzarse sin red, de sentirlo todo con intensidad, incluso cuando duele, y de cómo a veces hay que romperse para poder renacer. Es un álbum donde se mezclan fragilidad y furia, impulso y miedo, caos y catarsis.

En esencia, “Kamikaze” es una historia de caída, resistencia y renacer, contada desde un lugar profundamente honesto y emocional.

¿Qué rasgo identifica vuestro sonido actual?

El contraste entre riffs potentes, bases densas y una voz emocional. El significado de las canciones es clave: sin un mensaje real, la producción no tiene alma.

¿Qué elementos os hacen destacar?

La versatilidad vocal de Anuskka y la energía instrumental que mezcla grunge, rock alternativo y tintes stoner sin perder accesibilidad. Buscamos un sonido personal, emocional y con carácter.

¿Ha sido un proceso compositivo más unitario?

Es un proceso compositivo orgánico y sobre todo colectivo. Lo más importante para nosotros es que una canción transmita, si no emociona, no funciona.

¿Queríais que el oyente se sintiera protagonista?

Sí, nosotros somos personas comunes, con historias corrientes y contamos historias en las que cualquier se puede ver reflejado, queríamos hacer un disco que se sienta, no solo que se escuche. 

¿Quién llevó el peso rítmico? ¿En qué habéis madurado?

Las bases suelen partir de ideas entre Enrique y Luigi, pero trabajamos juntos cada decisión. Hemos madurado en escuchar más, dar espacio y dejar que la canción decida.

¿Qué fue más complicado: bases o letras?

Depende mucho del tema, las dos cosas pueden tener cierto grado de dificultad. Hablar de lo que uno siente a veces puede resultar complicado, sobre todo si son temas más personales del tipo “figuras de papel” o “no puedes saber”, en los que es más difícil abrirse. Luego, instrumentalmente, hay veces que los temas salen muy rápido y otros que cuesta darles esa forma que nos convenza a todos. Un caso concreto de un tema que tuvimos que darle mil vueltas hasta que quedó a nuestro gusto fue “ todo se apaga”.

¿Qué significa la experimentación?

En general solemos ser bastante orgánicos, pero vemos la experimentación como un medio, no como un fin. Tenemos una regla no escrita en Decode de probar todas las ideas por más out of the box que parezcan. Con esto no tratamos de ser raros, sino de encontrar cosas que nos emocionen.

¿Qué transmite el título y la portada?

Queríamos que la portada de “Kamikaze” reflejara la sensación de movimiento, de impacto, una mezcla entre velocidad, emoción y vértigo. El color azul intenso le da un punto frío, que contrasta con toda la pasión del disco. Decimos que es la calma antes y después de la tormenta. La idea era mostrar ese momento en que estás cayendo, pero también liberándote. Cristina Calderón Bello supo capturar esta esencia perfectamente.

¿Qué os impulsa a escribir?

Las letras tratan la mayoría de las veces de historias y vivencias diarias. Como decíamos antes, somos gente bastante normal, con lo cual hablamos sobre nuestras relaciones personales en nuestros diferentes entornos. Por eso hay temáticas sobre la presión, el miedo, la tristeza, la pasión, la rabia o la euforia. Algunas veces expresamos esto de una forma muy directa o puede que también sea en forma metafórica, pero siempre desde un prisma personal y auténtico.

“Es Cruel” habla de un amor tóxico. ¿Puede uno resistirse?

“Es Cruel” es una canción sobre una fuerza arrolladora: alguien o algo que te seduce, te envuelve y luego te deja sin nada. Habla del poder de la manipulación, del deseo que se vuelve adicción y de esa atracción inevitable por lo que sabemos que nos hará daño. Es una historia de juego y destrucción, de alguien que disfruta atrapando a otros solo para verlos caer.

¿Dedicáis tiempo a nuevos sonidos? ¿Hacia dónde evolucionáis?

En este disco hemos explorado nuevos sonidos, además, hemos contado con la producción de Edu Molina, quien nos ha aportado ideas bastante innovadoras a nuestra propuesta que hemos ido incorporando también en nuestro directo y que seguiremos probando de cara a nuevas composiciones. En general, nos encanta explorar y nos vemos evolucionando hacia algo aún más atmosférico y profundo, sin perder el pulso rockero.

¿Se puede mantener la integridad en este mundo?

Sí, pero cuesta. La clave es recordar por qué empezaste y disfrutar del proceso.

¿Cómo está funcionando el disco?

Muy bien, diferentes medios se están haciendo eco de nuestro lanzamiento y nos han hecho reseñas muy interesantes sobre el sonido, las letras e incluso el arte del disco. Creemos que están llamando la atención el sonido fresco de la banda y la carga emocional de las letras. El público está conectando mucho con las canciones de diferentes formas y eso nos hace mucha ilusión.

¿Qué opináis de la escena actual?

La facilidad para grabar y promocionarte por redes ha hecho que la industria se haya democratizado de una forma espectacular, lo cual se traduce en una oferta infinita de bandas emergentes. Esto es muy interesante porque ya no necesitas de grandes sellos para poder hacerte un hueco en la música, pero sin embargo es más difícil destacar. Al final, creemos que lo importante es encontrar tu espacio siendo fiel a tu identidad.

¿La originalidad está mal reconocida?

A veces. Lo diferente tarda más en llegar, pero cuando lo hace, conecta más fuerte.

¿Por qué vuestro disco? ¿Por qué ir a vuestros conciertos?

Porque “Kamikaze” es un viaje emocional real. En directo todo se multiplica: energía, intensidad y verdad. Quien viene, vive algo con nosotros.

Hace bien poco habéis publicado vuestro segundo disco “Gaitz Ilunen Ordua”, un trabajo mucho más detallista, repleto de técnica y pasión, donde habéis estirado todo lo posible vuestras posibilidades musicales, mostrado una madurez sorprendente con un porcentaje preciso de potencia, calidad sonora y composición elaborada, excelentes destellos de calidad instrumental y pulidas melodías vocales, dejando reflejada toda la esencia buscada. ¿Cómo se ha desarrollado todo el proceso creativo? ¿En qué sentido creéis que habéis avanzando con respecto a vuestro primer trabajo?

Esta vez nos lo hemos tomado con mas calma. Hemos dedicado más tiempo en todos los aspectos de la composición. Llegamos a hacer 22 bocetos de temas bastante desarrollados, de cuales al final seleccionamos las 12 que más nos gustaban y las que creíamos que encajaban mejor en el álbum. El primer disco, en comparación, no le dedicamos tanto al desarrollo de los temas.

Las primeras impresiones siempre son las que valen y escuchando este segundo trabajo he percibido una gran confianza absoluta en vuestras habilidades musicales, albergando un montón de detalles que se van revelando con cada escucha. Canciones repletas de detalles técnicos y arreglos excepcionales, dando una sensación de que a la hora de componer dejáis fluir libremente vuestros sentimientos, sin expectativas ni presiones, aportando siempre un soplo de aire fresco. ¿Hasta qué punto os habéis involucrado todos en las labores de composición del álbum? ¿Qué sentimientos habéis buscado transmitir a través de él? 

Por lo general, la base instrumental inicial la ha aportado Axipu, el guitarrista. Luego, en base eso, hemos moldeado las partes y pensado las melodías de voz. Luego, sobre todo Sama y Axipu se han centrado en las letras, aunque en este aspecto hay aportaciones de cada uno de nosotros. Todo esto lo hacíamos en acústico, y cuando ya teníamos la idea bastante avanzada, ya pasábamos al local de ensayo y las “metalizábamos”, y sacábamos todos los arreglos. Hemos dejado que las instrumentales nos guiaran en cuanto a la temática de cada canción, entonces, realmente no teníamos nada pensado en cuanto a lo que queríamos transmitir. Hay algunos temas más oscuros, y otros más esperanzadores, y las letras van de la mano con esos sentimientos.

Habéis profundizado en precisión y versatilidad rítmica, dejando un mayor recorrido a las instrumentaciones y no renunciando a introducir elementos que engrandezcan el sonido. ¿Qué particularidades tiene este disco en lo musical? 

Como hemos dicho anteriormente, ha sido Axipu el que más se ha encargado de la parte instrumental. Teníamos bastante claro que queríamos hacer un disco más Heavy y más oscuro, y general variado, para evolucionar en ese aspecto en cuanto al primer disco. Hay temas más rápidos y más lentos; más largos y más cortos; hay de todo. Se nota la evolución en la composición de los temas, y también se nota la evolución de cada integrante de la banda, que se ve reflejado en el resultado de este segundo álbum. En cuanto al sonido, teníamos algunas cosas claras, pero nos hemos dejado guiar más por las manos expertas de Chromaticity Studios.

¿Qué es lo que habéis ganado como banda tras la experiencia acumulada? ¿De qué forma se refleja la misma en este trabajo? 

El primer disco era el primer proyecto música para todos nosotros, nadie había hecho nada relacionado. La composición de ese primer disco, y los conciertos que dimos gracias a él, nos han servido como experiencia para evolucionar hacia este segundo álbum, teniendo más claro el camino a seguir, y corrigiendo todos lo que no nos convenció del anterior trabajo.

La producción de este álbum es consistente y solida, mostrando unos elementos muy brillantes que van mucho más allá del sonido de antaño, unas guitarras que no dejan de ofrecer destellos de distinción junto a unas bases rítmicas que no caen en ningún momento en algo preconcebido, acicaladas con un toque distinto y ofreciendo diferentes alicientes, enriqueciendo las composiciones con determinados arreglos para que la parte musical se complemente a la perfección con los textos y permitir exteriorizar todos los sentimientos vertidas en ellas. ¿Cómo discurrió la grabación en los Chromaticity Studios bajo la supervisión de Pedro J. Monge (Vhäldemar)? 

Buscábamos un estudio especializado en el género, y tras tantear varios estudios, nos decantamos por Chromaticity Studios. Desde el primer momento nos sentimos muy cómodos, y aunque grabar un disco nunca es fácil y siempre hay nervios, tienen experiencia de sobra y saben como hacer las cosas. Nos quedamos muy contentos con el resultado final.

¿Teníais las ideas claras de antemano en cuanto al sonido o las composiciones han sufrido cambios respecto a cómo eran antes de grabar? 

En general, sí. Todos los temas los llevábamos bastante trabajados, por lo que las bases no han sufrido grandes cambios. Siempre hay detalles, melodías, letras… pequeñas cosas que se cambian al momento en el estudio, siempre surgen nuevas ideas. La excepción fue “Sufrimenduzko Lurretan”. Habíamos probado mil cosas en el local, pero ninguna nos acababa de convencer. Allí en el estudio le dimos una vuelta con Aitor, el técnico, y así salió la versión que va en el disco.

¿Supongo que cada uno de vosotros tendréis vuestras propias influencias. ¿Hay alguna banda clave que os haya marcado el camino a seguir?

A todos nos gusta más o menos el mismo estilo de música. Evidentemente, cada uno tiene sus bandas preferidas: Malmsteen, Queensryche, Stratovarius, Helloween, Judas Priest, Su Ta Gar, Latzen… Todos ellos habrán contribuido en nuestro porvenir musical.

El primer single de este disco ha sido “Zure Zigorra”, un tema con unos estribillos intensos y una base musical que busca un sonido unificado en fuerza y melodía. ¿Por algún motivo especial? 

Queríamos empezar el disco con un tema potente y directo, y esa era la mejor elección. También fue una de las primeras que preparamos para este segundo trabajo.

“Zure Zigorra”, “Etorkizun Iluna” “Azken Egunean”, “Infernura” son buenos ejemplos de la importancia que tienen para vosotros estribillos que entren a la primera y puedan ser coreados en vuestros directos. ¿Es uno de vuestros fuertes? 

Puede ser. No ha sido nada buscado, pero al final los temas han salido así. Al final, si los temas consiguen conectar con el público, es algo muy bonito y todos disfrutamos de ello en los directos.

Escuchando el disco se nota mucho dinamismo. Los temas no siguen una línea continuista y hay mucha diferencia entre unos y otros. Incluso hay cabida para dos medios tiempos como “Aske Izateko Desira” y “Sufrimenduzko Lurretan”. ¿En que tesituras os sentís mucho más cómodos?

Al haber cambiado bastante de estilo respecto al primer disco, al principio nos costo comenzar con los nuevos temas. En especial, con los medios tiempos y las canciones lentas. Nunca habíamos hecho nada tan lento como “Galdurik” o “Zoramena”, y fueron en cierto aspecto un reto para nosotros.

Habéis cuidado mucho tanto las formas como el contenido musical del mismo. El diseño es espectacular y la portada logra atrapar inmediatamente por su colores. ¿Quién ha hecho el Artwork?¿De qué manera están los conceptos implícitos en la misma? ¿Sois partidarios de que es tan importante el fondo como las formas? 

La portada, al igual que en el primer disco, ha corrido a cargo de Bernardo Riveira. El proceso ha sido parecido a la portada del anterior disco: Nosotros le dimos una idea, y a partir del intercambio de ideas y bocetos, salió el resultado final. Como en este disco había bastantes temas oscuros, queríamos que eso se viese reflejado en la portada. Cogimos como referencia la letra de la canción “Ager zaitez”, de ahí el templo en medio de la nada, y el ritual. Los colores también reflejan este sentimiento. El nombre del disco también lo sacamos de una línea del mismo tema. Absolutamente, una buena portada siempre es un buen incentivo para adentrarte en un álbum.  

Una de las cosas que me ha impresionado mucho que os habéis atrevido a adaptar el archiconocido tema de Hemendik At “Orain”. ¿Cuál ha sido la razón de escoger este tema y no otro mucho más acorde a vuestro estilo?

Esto salió en un ensayo mientras estábamos desvariando. Al final con la coña vimos que podía tener potencial, y que encajaba con el futuro estilo de la banda. De esto hace mucho tiempo, pero decidimos no mostrarlo al público hasta que estuviera preparado.

Actualmente hay muchos grupos que saturan sus trabajos con exceso de producción de forma que oculta o disfraza la falta de creatividad ¿Qué opináis al respecto? 

Nosotros hacemos lo nuestro, y cada uno que haga lo que quiera. Está claro que una buena producción engrandece las canciones, pero un exceso de producción nunca es bueno. Esto va por gustos, pero nosotros que una canción se debe poder defender en directo. Siempre metes voces, guitarras, efectos de más en el estudio, pero nunca pueden ser el fundamento de la canción. Además nosotros no utilizamos pistas en directo, por lo que nuestra propuesta es sincera, y desde el corazón.

¿Cómo veis la escena que se ha ido desarrollando en estos últimos años? 

Bastante sana, hay bandas nuevas, y muchas clásicas que están volviendo. Es verdad que la gente ahora va menos a los conciertos pequeños, mientras que los macro eventos siempre son sold out. Para bandas como nosotros, esto complica nuestras opciones de crecer y enseñar a la gente lo que hacemos.

¿Creéis que la música en vivo pasa por un buen momento, en el sentido de que la nuevas generaciones no están a la altura de tiempos pasados en predisposición de descubrir nuevas bandas y apoyar la música en vivo? 

La gente ya no investiga por su cuenta. Simplemente se queda con lo que le ponen en los medios, y es feliz. Además, ahora con las redes sociales, si no enganchas en 5 segundos, la gente ya hace scroll. Además, somos fieles defensores del formato de álbum, al que hay que dedicarle su tiempo de escucha y análisis. Eso es imposible para un digital adicto.

¿Cómo está funcionado el disco hasta ahora a nivel de crítica y aceptación?

En general las críticas son buenas. La gente nos felicita, les gustan los temas y ven la evolución de la banda respecto al primer disco.

¿Cuáles son vuestros planes de cara al futuro más o menos próximo? 

De momento seguiremos presentando el disco en las fechas que ya tenemos anunciadas. Seguimos cerrando nuevas fechas, e intentaremos exprimir al máximo es nuevo trabajo. Además disfrutamos mucho tocando los nuevos temas en directo, y viendo que a la gente le gustan. De momento no nos hemos parado a pensar más a futuro.

¿Qué le diríais al público para que se decante por vuestro disco en particular y acuda a vuestros conciertos?

Les diríamos que reserven 50 minutos de su tiempo, y que le den una oportunidad a este trabajo que hemos publicado, con mucho amor y cariño. Les prometemos, que merecerá la pena.

¿Creéis que todavía a día de hoy sigue siendo necesario reivindicar el heavy metal euskaldun? 

Por supuesto. Ahora hay muchas bandas vascas nuevas que deciden cantar en otro idioma, y ya somos cada vez menos los que optamos por el euskera en este género. Quizá hay gente que piensa que el euskera es una barrera, y en parte tienen razón, pero también el público es cada vez más abierto en ese sentido. Nosotros mismos hemos tocado en Burgos, Mérida, Santander… y siempre nos han tratado muy bien. Al final lo importante es la música, y transmitir.

Antes de empezar a desgranar a fondo lo que deparará la cuarta edición del Metalskala Fest, me gustaría saber como surgió la idea de montar un festival de tales características.

La historia de este festival no nace de una estrategia ni de un plan comercial. Nace de la pasión. Desde muy joven, la música me atrapó. Fue mi primo quien me introdujo en este mundo, y en mi pueblo siempre hubo mucho movimiento: bandas, conciertos, metal por todas partes. Con el tiempo, fui descubriendo que esto no era solo un hobby. Era mi vida.

En 2019 decidí crear la página METALSKALA, un proyecto hecho con la intención de dar visibilidad a bandas emergentes o poco conocidas, a pesar de su talento. Desde entonces, hemos trabajado para que esas bandas tengan el escaparate que se merecen. Hasta hace unos meses que debido al gran crecimiento del festival no lo pudimos compatibilizar

Después de la pandemia, organizamos conciertos en León durante dos años, dando cabida a grupos de todo el país que se quedaban sin fechas o salas por la saturación del sector. Lo hacíamos de manera desinteresada, solo por amor a la escena. Esa experiencia fue la que nos abrió los ojos: sí, podíamos hacerlo. Podíamos organizar algo más grande, Así nació este festival.

No ha sido fácil, claro. Lo compaginamos con nuestros trabajos, y a veces sentimos que los días no alcanzan. Pero lo hacemos con el corazón, con el mismo amor y compromiso del primer día. Porque este festival no solo es un evento: es nuestra manera de vivir y compartir lo que nos apasiona con todos vosotros.

Explicarnos un poco cuál es vuestra filosofía, modo de acción y que pretensiones tenéis marcado como asociación musical

Nuestra filosofía es muy clara: queremos que tanto el público como las bandas se sientan como en casa. Para nosotros, el festival es mucho más que música; es una reunión de familia, un lugar donde reencontrarte con amigos de todas partes del país y disfrutar juntos de lo que más nos gusta. Buscamos crear una experiencia inolvidable y cercana.

Además, tenemos un compromiso firme con el apoyo al panorama nacional, tanto a bandas consolidadas como a aquellas que están empezando ya sea desde un local de ensayo profesional o desde el garaje de un familiar. Desde el inicio, hemos apostado también por los grupos locales, dándoles visibilidad en todas las ediciones. Para nosotros, las bandas nacionales son el pilar de este proyecto, y siempre vamos a estar ahí para apoyarlas. Esa es y será siempre nuestra esencia.

Vuestro festival está orientado a dos estilos musicales en concreto, el hardcore y metal. ¿Cuál es la razón de ello, viene motivado ese planteamiento en concordancia a vuestros gustos musicales?

Nuestro festival se enmarca dentro del metal en su sentido más amplio, un género que para nosotros engloba muchísimas vertientes: metalcore, hardcore, punk, metal extremo, entre otros.

Desde la primera edición hemos apostado por mezclar estilos, buscando variedad y dinamismo en el cartel. Es cierto que la última edición tuvo una presencia más marcada del hardcore, pero no nos cerramos a ningún subgénero dentro de la escena metalera.

Más que guiarnos por nuestros gustos personales que, si los conocierais, os sorprenderían bastante, lo que hacemos es escuchar al público. Antes de arrancar cada edición, lanzamos encuestas y hacemos valoraciones abiertas para conocer qué bandas y estilos les gustaría ver. Es una forma de implicar a la gente y de dejar claro que este festival es para ellos y por ellos. Nuestra misión es crear una experiencia que conecte con lo que la escena necesita y pide, dentro de nuestras posibilidades.

¿Estimáis que hay bastante público como para no abrirse a otros estilos musicales?

Como comentábamos antes, tenemos muy claras dos cosas. La primera es que el metal es un género amplio y muy diverso, con muchísimas vertientes como el metalcore, hardcore, death, punk, entre otras. En ese sentido, siempre estaremos abiertos a todo lo que forme parte de esta gran familia que es el metal. La segunda es que escuchamos al público, que es quien realmente da forma al festival. Antes de cada edición recogemos sus opiniones y sugerencias, y en base a eso diseñamos el cartel, siempre dentro de nuestras posibilidades. Eso sí, hay algo en lo que somos firmes: solo trabajamos con bandas originales. No incluimos grupos tributo en nuestras ediciones. Apostamos por quienes están creando música propia y luchan por abrirse camino con su arte. 

Con lo saturado que está el mercado de festivales en nuestro país, ¿qué aspectos destacaríais que os hacen ser únicos y distintos al resto?

Es cierto que actualmente hay muchos festivales en España, pero desde nuestro punto de vista, eso es algo muy positivo. Tenemos una escena con bandas de altísimo nivel en muchos estilos, y cuantos más espacios haya para darles visibilidad, mejor. Nosotros nos incluimos en esa red de festivales que buscan apoyar y hacer crecer el talento nacional. En cuanto a lo que nos diferencia, son dos pilares fundamentales que marcan nuestra identidad: el público y las bandas. Cuidamos de ambos por igual. Para nosotros, esto no es solo un evento musical, es una experiencia compartida. Nos emociona ver, al finalizar cada edición, las caras de felicidad de la gente, cómo te dan las gracias y cómo te cuentan que ha sido un día inolvidable. Esos momentos son únicos. Nos gusta saber de primera mano la opinión del público y ser cercanos, ya que el festival está organizado por un grupo de amigos que comparte lo mismo, la pasión por la música. Ver al equipo abrazarse, sonreír, emocionarse y disfrutar son señales de que algo hemos hecho bien, y eso es lo que nos motiva a seguir.

¿No creéis que hay una excesiva oferta festivalera y que la gente no dispone de tantos recursos económicos para acudir a todo lo que le apasiona?

Como mencionábamos antes, por un lado es positivo que haya muchas opciones, pero es cierto que a veces, por motivos económicos o por coincidencia de fechas, no es posible asistir a todos los festivales que uno quisiera. Nosotros, como organizadores y también como consumidores, entendemos esa situación. Por eso uno de nuestros principales objetivos es poner al público por encima de todo. Quienes nos conocen saben que este proyecto nace de la pasión y que no buscamos enriquecernos con él. De hecho, invertimos mucho de nuestro propio dinero. Por eso hacemos un esfuerzo para que las entradas tengan un precio lo más accesible posible, además de intentar que no se solape con otros festivales para que nadie se quede fuera. Queremos que la música y la experiencia estén al alcance de todos, porque para nosotros lo más importante es que la gente pueda disfrutar sin barreras.

Las dos primeras ediciones del festival se desarrollaron en León, con una buena acogida de público. ¿A que se debió trasladar el festival en su tercera edición a una ciudad del País Vasco, más concretamente a Gasteiz? ¿Vuestro objetivo actualmente es tratar de situarlo como un referente en el norte de nuestro país?

Siendo sinceros, en León las dos primeras ediciones tuvieron una gran acogida, y tanto al público como a las bandas de allí les tenemos un cariño muy especial por todo el apoyo recibido. Sin embargo, por parte de las administraciones públicas y la disponibilidad de espacios fue imposible continuar realizándolo allí. Sabemos que nada es gratis, pero solo pedíamos un poco de facilidades para poder llevar a cabo nuestro proyecto. Tras la segunda edición, el festival estuvo a punto de desaparecer, pero gracias a la iniciativa de nuestros amigos en Vitoria, Hodei y Víctor, que nos propusieron trasladarlo a esa ciudad, pudimos seguir adelante. Respecto a si queremos convertirlo en un referente en el norte, nuestro trabajo diario es hacerlo crecer poco a poco. Sin prisa y con mucho respeto hacia los demás festivales, y ya que soñar en gratis. Podamos ser un referente en la zona norte. Pero siempre con la filosofía de apoyar y colaborar con los demás festivales, porque creemos que ayudándonos mutuamente todo es más fácil.

Para la edición de este año os habéis aventurado en hacerlo crecer considerablemente, organizándolo en una sala más grande (Jimmy Jazz) y con la gran osadía de que sea encabezado por una formación internacional. ¿Cómo se consigue ir mejorando año tras año? ¿La experiencia adquirida y la opiniones del público son los factores que más valoráis para ir subiendo en calidad y brillantez a la hora de planificar cada edición?

Nuestra filosofía es clara: cada año queremos superar al anterior, subir un peldaño más en la exigencia que nos imponemos. Poco a poco vamos creciendo en función de lo que nos demanda el público, que para nosotros es el motor principal del festival. Es cierto que nos gustaría traer más grupos, alargarlo varios días… pero también somos conscientes de nuestras limitaciones económicas. Por eso preferimos avanzar con prudencia. Este año hemos dado un salto importante: cambiar a una sala más grande y seguir elevando el nivel de las bandas. Ha sido una decisión muy meditada por todo el equipo, valorando pros y contras, y creemos que ha sido acertada.

No queremos perder la cabeza y arriesgar la estabilidad del proyecto con deudas o prisas. Nuestra visión es a largo plazo, con la meta de poder celebrar el festival al aire libre y convertirlo en un gran referente. Poco a poco, paso a paso, ese es nuestro camino. Ponéis mucho énfasis en la calidad de las bandas a la hora de confeccionar los carteles.

¿Cuál es vuestro nivel de compromiso con las bandas emergentes nacionales?

Para nosotros, las bandas emergentes nacionales son fundamentales en nuestro festival. Como mencionábamos antes, nuestra marca nació en parte para apoyar a todas las bandas del metal nacional, tanto a las que están empezando, desde el garaje de sus casas, como a aquellas que llevan años en activo, pero no tienen mucha visibilidad. Además, siempre apostamos por dar visibilidad y respaldo a las bandas locales, que son otra parte esencial de nuestro proyecto. En nuestro festival tenemos claro que siempre tendrán un espacio y nuestro apoyo. Ojalá en un futuro podamos incluir aún más bandas emergentes, locales.. pero en las ediciones que llevamos celebradas ya se refleja claramente esta apuesta por ellas en nuestros carteles.

Montar un festival requiere tiempo y seguir varios pasos, tener una fuente de financiación bastante elevada, obtener los permisos correspondientes y gestionar el tema de contrataciones. ¿Os ha costado mucho tener bien atado todos los aspectos referentes a la planificación del mismo? Seguro que sois asiduos a festivales, ¿cuál dirías que es el mejor festival en cuanto a organización se refiere?

Organizar un festival nos lleva prácticamente todo el año. Hay muchas cosas que gestionar y, además, lo compaginamos con nuestro trabajo habitual, por lo que muchas veces los días se nos quedan pequeños. Sin embargo, con la experiencia que vamos acumulando cada año, todo se vuelve un poco más sencillo. Cada edición intentamos mejorar y pulir detalles para ofrecer al público justo lo que necesita, porque organizamos el festival desde la perspectiva del consumidor.

Pensamos en nosotros como asistentes y tratamos de que no les falte nada. Sabemos que es difícil contentar a todo el mundo, pero nuestro objetivo es hacerlo lo mejor posible y seguir mejorando año tras año. Respecto a la organización de otros festivales, hemos asistido a muchos y todos nos han parecido de gran nivel, por lo que en este momento no podríamos destacar uno en particular.

¿Qué criterios habéis llevado a cabo a la hora de conformar el cartel de este año? Hablarnos un poco de las bandas que actuarán en la misma. ¿Teníais en mente desde el principio que la banda que lo iba a encabezar iba a ser los británicos Pola?

Los criterios para conformar el cartel este año han sido los mismos que en ediciones anteriores: dar visibilidad a bandas nacionales y locales, siempre teniendo muy en cuenta las peticiones del público y los emails que recibimos. Intentamos hacer la mejor selección posible con toda esa información.

En cuanto a la cabeza de cartel, tras un análisis económico y siguiendo la línea del año pasado, y escuchando las opiniones del público, decidimos que la mejor opción era traer una banda de hardcore como cabeza de cartel. Después de valorar todo con el equipo, nos animamos a subir un peldaño en el nivel de las bandas, y estamos muy contentos y orgullosos de poder contar con Polar, auténticos cracks que hoy en día son una de las bandas de hardcore más en forma del panorama británico. Además, los tendremos en exclusiva en España este año, en nuestro festival, siempre los tuvimos en nuestro punto de mira y que por fin se ha hecho realidad.

¿Ha habido alguna banda que queríais que participará pero por ciertas razones no se ha podido llegar a materializar al no lograr un acuerdo económico para contratarla?

Siendo sinceros, no. Como mencionamos antes, queremos ir poco a poco y dentro de nuestros límites, sin pasarnos de lo que podemos permitirnos, ya que tenemos unas limitaciones económicas, y este proyecto es a muy largo plazo, o al menos esa es nuestra intención. Nuestro objetivo es que el festival siga creciendo año tras año de forma sostenible. Por supuesto, soñamos y nos gustaría poder traer más grupos y ampliar los días, pero creemos que con tiempo y poco a poco iremos subiendo peldaños.

¿Qué lecciones habéis aprendido a lo largo de todos estos años inmersos en el mundo de organización de eventos?

Hemos aprendido que en esta vida nada es imposible y que lo más bonito es luchar por tus sueños. No dejar de trabajar para conseguirlos y entender que rendirse no es una opción. La creación del festival nos ha dado una visión diferente de la vida y nos ha enseñado muchísimo a nivel personal, algo por lo que estamos muy agradecidos.

¿Cómo valoráis el gancho que ejercen las redes sociales en el panorama de promoción y difusión de eventos?

Las redes sociales son hoy en día una herramienta fundamental y muy útil para llegar a un público mucho más amplio. Sin embargo, nosotros también lo combinamos con métodos más tradicionales, como la pegada de carteles en festivales y diferentes ciudades, manteniendo así ese toque “a la vieja usanza” que también creemos que funciona muy bien.

¿Alguna recomendación para aquel que vaya a acudir al festival por primera vez?

La recomendación que podemos dar es que disfruten cada segundo, minuto y hora del festival, porque está hecho con todo nuestro cariño, corazón y pasión para el público. Lo que hemos vivido en estas tres ediciones pasadas ha sido increíble, y a estas alturas a veces se nos escapa alguna lágrima por la emoción y el ambiente que se crea. En una palabra: FAMILIA. Esto es muy difícil describirlo en las palabras. Y al menos una vez en la vida, es bonito vivirlo y sentirlo en la piel.